ContaminArte

l'arte nel cuore

2012-02-28T11:52:00.000+01:00

ACCADEMIA
A ROMA

La prima accademia a livello europeo ad occuparsi di un progetto artistico che coinvolge persone normodotate e diversamente abili, perseguendo il nobile scopo di superare le barriere mentali e culturali attraverso la condivisione di un'esperienza.
Vera e propria accademia di spettacolo, coinvolge i ragazzi che sognano di danzare, cantare o recitare,o anche dipingere o scrivere, aiutandoli ad esprimere e potenziare i loro talenti fino al raggiungimento di risultati professionali

L' associazione nasce dall'esigenza di sopperire alla mancanza di strutture che offrano servizi dedicati alle persone diversamente abili artisticamente dotate che sentano l'esigenza di esprimere le loro passioni, uno spazio dove la contaminazione è totale, dove la diversità non è un limite ma soprattutto dove esiste l'uniformità e l'uguaglianza.
insieme per l'arte.

Giampiero Poggiali Berlinghieri – Sculture Solari

2012-02-28T09:00:00.000+01:00

Giampiero Poggiali Berlinghieri – Sculture Solari

"In modo simbolico dall’impenetrabilità sua luminosa oppure diretto per l’apporto indispensabile alla vita sulla terra, il Sole si da come uno degli elementi culturali comuni a ogni epoca e ad ogni civiltà; è Aton nell’antico Egitto, Mitra in Persia, Apollo dei Greci e dei Romani, la trasfigurazione di Cristo, l’illuminazione Buddhista, solo per citare alcuni casi di un insieme assai più esteso. Certo dalla modernità in poi la valutazione scientifica ha sottratto pregnanza a quella spirituale, avendo definito il sole una stella d’idrogeno in fusione la cui massa, enorme nelle proporzioni del nostro sistema, regola i rapporti gravitazionali con tutti gli altri pianeti. Resiste ancora però la doppia valenza riferibile all’astro: potenza creatrice e distruttrice, essa è sia l’idea che infiamma la mente di Dedalo sia il calore che scioglie le ali di Icaro.

Perciò quando un protagonista dell’ars ludens quale Giampiero Poggiali Berlinghieri sceglie di

intitolare una propria serie Sculture Solari, viene naturale interrogarsi sul tipo di significazione che egli ha voluto indicare con l’attributo.

Credo che la risposta non sia dissimile da quella individuata dalla maggioranza dei critici per altri momenti della sua ricerca; l’artista che ha sempre saputo tradurre le problematiche formali in una visionarietà immediata e attraente, anche nella riflessione tecnologico-ambientale lascia emergere le gioie pure del fare e del mostrare, piuttosto che la vanità della dialettica irrisolta.

Queste sculture solari pur nella diversità esteriore formano un immaginario fantastico, o addirittura fantascientifico, del tutto coerente. Che si tratti di animali robot, lampade utilizzabili o totem allegorici fa poca differenza, anzi, è proprio nel possibilismo sfrenato del futuribile che si rivelano gli elementi distintivi. Innanzitutto ciò che potremmo indicare come “ri-assemblaggio”, ovvero la tecnica di combinare differentemente le parti di un’opera passata e già esposta, così da ottenere un risultato inedito. Tale modalità, assolutamente originale, svela la capacità inesauribile dell’arte a innovarsi: se per supposte necessità di comunicazione e per più pragmatiche speculazioni economiche i prodotti high-tech scontano il proprio avanguardismo con un’esistenza di minima durata, un’opera può invece risorgere da sé stessa senza subire il rischio dell’obsolescenza (a meno che la sua estetica non sia fondata in modo effimero e per opportunismo sulla moda).

Il fatto stesso che tra le opzioni disponibili Poggiali Berlinghieri abbia scelto elementi semplici e sostenibili come i pannelli solari o le luci a led, e da essi abbia tratto sculture piacevoli e utili – ma frutto di una grande sapienza artigianale -evidenzia per inversione il carattere di una tecnologia divenuta, nelle sue varianti peggiori, sinonimo di omologazione e di feticismo.

L’esibizione dei materiali semplici e della manualità, la meraviglia suscitata dall’idea, il gusto del divertimento; ecco gli ingredienti che sulla scia dell’entusiasmo tornano anche nella fantasia videosonora alla base della presente pubblicazione.

Infine, considerando anche la fase più recente, mi pare che un merito implicito di Poggiali Berlinghieri sia l’esortazione ad approfondire il ruolo del ludico nella storia artistica. Da Depero a Baj fino a Tinguely, i nomi certo non mancano. E forse, ma è solo un’intuizione, nel futuro potrebbe accadere che il disegno su vetro di una macchina celibe, la riproduzione di un cartone di detersivo Brillo, una cavallo sospeso con la testa nel muro – attraverso una minore rilevanza concessa alle contingenze sociali che le hanno derivate – possano essere interpretate come esempi di commistione, seppur critica, tra arte e gioco. Allora molte pagine saranno da riscrivere, sopratutto nel caso di coloro che questa via l’hanno percorsa sin dagli esordi." di Matteo Innocenti

Giampiero Poggiali Berlinghieri nasce a Firenze il 17 luglio1936.

L’esordio della sua attività artistica è del 1968 e segna il termine di un’accelerata fase di ricerca e di formazione autodidatta con la prima mostra personale presso la Galleria Inquadrature di Firenze a cui fanno seguito circa 80 mostre personali in Italia e all’estero. Opere di Poggiali trovano posto in collezioni museali pubbliche e private. Un suo autoritratto fa parte della raccolta degli autoritratti della Galleria degli Uffizi di Firenze.

Le “Sculture solari” di Giampiero Poggiali Berlinghieri, realizzate dal 2009 al 2012, insieme alle sue “Opere ecologicamente compatibili” sono pubblicate sul video-catalogo della collana “Risguardi” di Morgana Edizioni. Molte di queste sculture sono presenti in Musei, Pinacoteche e luoghi pubblici. Il testo in copertina è del critico d’arte Matteo Innocenti.

Video, montaggio ed effetti speciali sono di Bramante Chisci, la musica è di Niccolò Chisci e l’elaborazione musicale di Franco Poggiali Berlinghieri.

www.morganaedizioni.it

fonte:http://www.artestudio53.it

d : foto

2012-02-27T20:52:00.000+01:00

foto di : Vadim Stein

Alice in Wonderland al MART di Rovereto

2012-02-27T16:39:00.007+01:00

Alice in Wonderland – Il favoloso mondo di Lewis Carroll e la sua enorme influenza nelle arti visive. Una mostra organizzata da Tate Liverpool in collaborazione con il Mart e la Kunsthalle Hamburg. Al MartRovereto dal 25 febbraio al 3 giugno 2012 (www.mart.trento.it). La mostra è a cura di Christoph Benjamin Schulz e Gavin Delahunty.

L'esposizione è improntata sull'influenza che le opere di Lewis Carroll hanno avuto sul mondo dell'arte in senso lato e sulle arti visive in particolare. Stampe fotografiche, illustrazioni, tele, video proiezioni, è un mix di differenti spunti e stimoli visivi, con un comune denominatore rappresentato dalla prosa di Carroll e, in particolare, dai mondi fantastici raccontati nei libri,

"Alice nel paese delle Meraviglie" e "Attraverso lo specchio". 

Diversi gli artisti gli autori degli oggetti in mostra, non da meno le testimonianze fotografiche lasciate dallo stesso Carroll , tra le quali meritano un posto specifico quelle alla piccola Alice Pleasance Liddell. E' lei la "baby musa" ispiratrice del personaggio di Alice, ritratta dallo scrittore con scatti che ne narrano in un certo senso la vita dai quattro anni di età fino al periodo dell'adolescenza. In mostra ci sarà ampio spazio anche per gli artisti che hanno abbracciato il fermento del surrealismo e non mancheranno contributi di Dalì, di Ernst, di Woodman, di Robert ed altri ancora. 

fonte:blog.atcasa.corriere.it

d : video

2012-02-25T11:20:00.000+01:00

Il Divisionismo-La luce del moderno

2012-02-24T09:51:00.000+01:00

Gaetano Previati, "Pace o Mattino nel prato", Palazzo Pitti ,Firenze

Si svolgerà a Rovigo, a Palazzo Roverella dal 25 febbraio al 23 giugno 2012, sarà sicuramente tra i più importanti eventi espositivi italiani del prossimo anno. A promuoverla sono la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo e L’Accademia dei Concordi.

Carlo Carrà "Uscita dal teatro" Londra

Il periodo che questa mostra illumina è quello tra il 1890 e l’indomani della Grande Guerra.

Negli anni in cui in Francia Signac e Seraut “punteggiano” il Neo Impressionismo, anche in Italia diversi artisti si confrontano con l’uso "diviso" dei colori complementari. E lo fanno con assoluta originalità. E’, come afferma il sottotitolo della mostra, la luce del moderno che essi così magistralmente creano e interpretano.

Sono sperimentazioni che consentono agli artisti che si affacciano alle soglie del Novecento di affrontare con tecnica spesso audace e coraggiosa le tematiche del nuovo secolo, dal mutato rapporto con la realtà agreste all’evoluzione della città moderna, dalle scoperte scientifiche agli incombenti conflitti sociali.

Plinio Nomellini , " il fienailolo , 1888 Livorno

E’ la prima effettiva cesura rispetto agli stili del passato, prima delle avanguardie.

Nel Divisionismo italiano i puntini e le barrette colorate dei francesi diventano filamenti frastagliati che invece di accostarsi spesso si sovrappongono. Ma ciò che è veramente diverso è lo spirito: qui la nuova tecnica pittorica aiuta a rappresentare, meglio di altre, l’intimità, l’allegria, lo spiritualismo, il simbolismo, l’ideologia anche politica. Ovvero i sentimenti, le passioni, le istanze che univano quella generazione di artisti. Pittura di luce, colore ma anche e soprattutto pittura di emozioni, quindi.

L’indagine che Francesca Cagianelli e Dario Matteoni proporranno a Palazzo Roverella rilegge la storia di questo momento magico dell’arte italiana. Valorizzando figure come quella di Vittore Grubicy de Dragon e il suo Divisionismo fatto di musica e di ricerca scientifica. Poi Plinio Novellini, icona del Divisionismo tra Toscana e Liguria, prototipo di quelle diverse dimensioni territoriali che sono forse la maggiore ricchezza del movimento e che questa mostra mette, per la prima volta, in giusta evidenza.

Leonardo Dudreville, "trilogia campestre"

Poi i grandissimi: Previati, Segantini, Morbelli, Pellizza da Volpedo.

E ancora il ricordo della storica Sala Divisionista della Biennale del 1914. Per giungere alla straordinaria stagione divisionista di artisti come Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Gino Severini, Carlo Carrà e alla Secessione Romana. Ultimi, emozionanti bagliori di una vicenda artistica che va a concludersi, per sfociare nel rivoluzionario “nuovo” del Futurismo. Ed è l’avvio di un’altra grande storia tutta italiana.

(R. de Simone)

Enrico Lionne , " Fuori porta S. Giovanni" ,Roma

dal 25 febbraio 2012 al 23 giugno 2012

Rovigo, Palazzo Roverella

info : http://www.mostradivisionismo.it

Happy days-Samuel Beckett

2012-02-24T09:00:00.000+01:00

"Eh, sì, così poco da dire, così poco da fare, e una tale paura, certi giorni, di trovarsi… con delle ore davanti a sé, prima del campanello del sonno, e più niente da dire, più niente da fare, che i giorni passano, certi giorni passano, passano e vanno, senza che si sia detto niente, o quasi, senza che si sia fatto niente, o quasi (…)"

Giorni felici (Happy days) è un dramma in due atti di Samuel Beckett del 1961.

Rappresenta uno dei momenti più alti del teatro beckettiano. La situazione è portata al parossismo, costringendo i protagonisti all'inazione quasi totale in una lenta scarnificazione dei mezzi espressivi propri del teatro.

Winnie, il personaggio principale, è una donna sulla cinquantina, bionda, grassottella. È sepolta fino alla vita in un alto cumulo di sabbia. Ha una capiente sporta nera piena di oggetti interessanti incluso un pettine, uno spazzolino da denti, un dentifricio, un rossetto, una lima per unghie ed un organetto. Ha anche un parasole ed una rivoltella, che ama accarezzare. Il suono stridente di un campanello isolato e fuori scena scandisce le ore di veglia da quelle del sonno. Il dramma inizia con il suono del campanello e l'affermazione di Winnie:

« Un altro giorno divino. »

Winnie è infatti felice della sua esistenza, seppure immobile: nonostante quanto possa capitare, afferma senza ombra di dubbio che quello sarà sicuramente un altro giorno felice.

Suo marito Willie, un uomo sulla sessantina dal cranio sfondato e vuoto, vive in una cavità del cumulo di sabbia alle spalle della moglie, quasi fuori dal suo campo visivo per l'impossibilità di movimento di lei. Al contrario di Winnie può ancora muoversi, anche se l'unico modo per farlo che ha è quello di strisciare su tutto quanto. Durante il corso del primo atto esce dal suo buco solo per leggere il giornale e per masturbarsi, seduto dietro al mucchio e con le spalle al pubblico. Nonostante il chiacchierio continuo di Winnie e le continue richieste da parte di lei di una risposta, Willie si esprime a monosillabi leggendo piccole citazioni dal giornale, solo a conferma che riesce ad ascoltarla.

Nel secondo atto, aperto come il primo dal suono del campanello, Winnie è sepolta fino al collo, con la sola testa fuori dal cumulo di sabbia. Continua a parlare, ma non può più raggiungere la sua borsa né voltarsi per guardare il suo amato Willie. È sorprendentemente ottimista durante tutto il dramma, solo pochi accenni alla monotonia e al fatto che suo marito viva alle sue spalle fanno presagire una sottile amarezza della sua condizione. La pièce si conclude con Willie che striscia fino a Winnie vestito di tutto punto, mentre lei lo osserva amorevolmente cantando un motivetto ascoltato dall'organetto nel corso del primo atto.

"Winnie non è una borghesotta logorroica che straparla a casaccio, è un’eroina in lotta con quel mascalzone di dio che tenta di piegare la sua tempra mettendola in situazioni via via più insopportabili. Quando non avrà più niente, se non una bocca riarsa che spunta dalle macerie, canterà, con un filo di voce roca ma indomata, un valzer della Vedova allegra.

“Tace il labbro…”

Ogni sera, a quel punto, mi veniva in mente la frase di Stendhal: “Dio ha la sola scusa di non esistere”. ( Anna Proclemer)

IL DESIGN MYKITA HAUS A SOSTEGNO DEL GIAPPONE

2012-02-23T22:54:00.000+01:00

FRANZ è il nome degli occhiali da sole ad edizione limitata, creati in soli cento esemplari, a sostegno della Croce Rossa giapponese dall'azienda berlinese MYKITA HAUS: dall'abbreviazione in Kita della parola tedesca Kindertagesstätte: asilo.

Dal 2003 i fondatori dell'impresa Moritz Krueger, Philipp e Daniel Haffmans e Harald Gottschling forniscono l'assemblaggio artigianale per gli occhiali dall'alto profilo del mercato internazionale e, volendo azionarsi per contribuire ad arginare i drammi causati dagli ultimi tragici eventi avvenuti in Giappone, in collaborazione con il fashion designer Bernhard Willhelm, hanno rivisitato il leggendario modello d'aviatore creandone uno assai stiloso e particolare che si rifà alla bandiera del Sol levante; infatti la montatura è di colore bianca e le lenti sono a specchio e di color rosso intenso, proprio come l'hinomaru, la bandiera giapponese.

Renata Panizzieri Lanza

ESPIANTATI DI FRANCO AUTIERO

2012-02-23T11:37:00.003+01:00

"Il percorso del testo è in discesa. La protagonista è uno spirito alla deriva, la voce di un ectoplasma in viaggio verso luoghi arcani, forse un’anima alla pena riluttante verso il silenzio dei campi Elisi. Frammenti di memoria si accumulano, si confondono, si disperdono per riemergere a tratti, a zone, nel percorso del viaggio al confine tra vita e morte nell’orto concluso della rappresentazione." Franco Autiero

Mostra omaggio del grande artista Franco Autiero. Saranno esposti suoi bozzetti, plastici, pezzi di scenografia, ricordi e stralci dei suoi lavori.

Un lavoro per omaggiare Franco Autiero, scenografo, drammaturgo, artista a tutto tondo. Un tributo che Alessandra Borgia, ha voluto portare alla memoria di un amico, compagno d’avventure, scomparso nel 2008 e sul quale troppo poco l’attenzione della critica contemporanea si è soffermata.

Il testo, scritto apposta per l’attrice, fece il suo debutto nel 1995 per Settembre al Borgo. Vengono raccontate tre storie vissute da autore e attrice in un percorso che segue il filo della follia, della diversità. Storie di emarginazione che si relazionano in qualche modo alla città. C’era l’intervento dello stesso Autiero sul palco, ruolo che in questa edizione sarà ricoperto da Fulvio Calise, che, per scelta precisa della Borgia non è un attore, ma un medico, che espianta organi, nel senso letterario del termine.

Una storia che voleva evocare l’impegno dell’autore e della protaonista al fianco del grande Annibale Ruccello, spesso citato tra le righe e loro imponente punto di riferimento artistico e intellettuale.

Tre personaggi molto diversi tra di loro, grazie ai quali la protagonista diviene una sorta di spirito alla deriva pronta a trasformarsi da donna sciatta e volgare a dama elegante e sensuale passando per l’incarnazione della gatta di quest’ultima il cui racconto si intreccia senza soluzione di continuità a quello della padrona fino alla sua morte e resurrezione.

fonte : www.positanonews.it

"Desidero rimettere in scena questo testo, per sottolinearne l’importanza nel panorama autoriale nazionale.

Dopo di lui molti altri si sono avventurati nell’esercizio linguistico estremo, prendendo a piene mani dai lessici locali e hanno avuto gratificazioni dalla critica di cui lui, Franco, il predecessore, l’antesignano, il modellatore di parole, non ha goduto come avrebbe meritato, perchè troppo in anticipo sui tempi ed io voglio provare a rendergli merito, perchè amo la sua lingua originale, musicale, antiteatrale, sempre contro e sempre in armonia col tutto, sempre scomposta… bellissima. "Alessandra Borgia

Produzione: Nuova Accademia Sonora S. Giorgio a Cremano

Sala Ferrari: Via Marino e Cotronei 6/D Napoli

info@salaferrari.com

dal 29 febbraio al 4 marzo 2012

Paco Roca-Rughe

2012-02-23T10:32:00.000+01:00

Storia toccante sull'alzheimer

Successo storico per il cinema di animazione e il fumetto: 'Rughe', lungometraggio tratto dal graphic novel dello spagnolo Paco Roca, ha vinto due premi Goya (il piu' importante riconoscimento cinematografico spagnolo), come miglior film d'animazione e come miglior adattamento. 'Rughe' ha superato nomi del calibro di Pedro Almodovar (con 'La pelle che abito'), Iciar Bollain ('Katmandu''), Benito Zambrano ('La voz dormida').

Emilio, un anziano direttore di banca affetto dal morbo di Alzheimer, è ricoverato dalla sua famiglia in una residenza per la terza età. In questo ambiente, egli apprende come convivere con i suoi nuovi compagni e con gli infermieri che li accudiscono, cercando di non sprofondare in una morbosa routine quotidiana.

La lotta contro la malattia è sorretta dalla volontà di mantenere la sua memoria e di evitare di essere portato all'ultimo piano, quello del non ritorno. La mancanza di memoria dai ricordi alle cose più semplici, come il saper mangiare o il vestirsi la mancanza di contatto con la realtà, il disagio dei famigliari e dei pazienti nei confronti della malattia, sono descritti con un misto di umorismo e commozione.

D:video

2012-02-22T15:00:00.000+01:00

I Momix tornano in Italia per due appuntamenti, ad Avellino (dal 24 al 26 febbraio al Teatro Gesualdo) e a Salerno (dal 1 al 3 marzo al Teatro Verdi). I celebri danzatori, che hanno incantato il mondo, portano in scena lo spettacolo 'Bothanica', ispirato alle quattro stagioni.

Sul palco, dieci ballerini danzeranno la natura, i suoi colori, le sue forme e i suoi tempi. Lo spettacolo nasce dalla passione per la natura del coreografo Moses Pendleton, fondatore dei Momix.

D: foto

2012-02-22T10:52:00.000+01:00

Nur (Luce) fotografie di Monika Bulaj.

Sonia Delaunay. Atelier Simultané 1923 -1934

2012-02-21T15:17:00.005+01:00

Mercoledì 22 febbraio 2012 la Fondazione Marconi , ha il piacere di presentare la mostra Sonia Delaunay. Atelier simultané 1923 -1934.

La mostra, allestita sui due piani dello spazio espositivo presenta una parte importante dell’opera di Sonia Delaunay: circa cento gouaches realizzate tra il 1923 - 1934 in cui emerge la ricerca dell’artista sul colore, sul rapporto figura – sfondo e l’attenzione per le trame, e molti studi che ne testimoniano l’elaborazione.

Già orientata verso una pittura di puro colore, Sonia affiancò il marito nelle ricerche sul colore e sulla rifrazione della luce, in cui l'effetto dinamico è espresso dalle sole modulazioni del colore e della luce che conferiscono all'opera un tono lirico, approdando al movimento chiamato orfismo (o cubismo orfico; termine che deriva da Orfeo, mitico musico della mitologia greca). Sonia Terk cercò di portare l'orfismo oltre i confini della pittura: a partire dal 1913 realizzò stoffe a contrasti simultanei, creazioni astratte di carta e tessuto e caratteri di stampa per libri a colori simultanei, cioè con rapporti cromatici e caratteri tipografici diversi e con il testo stampato in verticale.

Tra le due guerre, Sonia realizzò i primi vestiti astratti ed affiancò il marito in alcune grandi decorazioni per l'Esposizione universale di Parigi del 1925. Dominio incontrastato di Sonia rimase però l'arte dell'arazzo e del tessuto, che essa rinnovò profondamente sostituendo alle decorazioni tradizionali dei motivi geometrici di sorprendente intensità cromatica, tipici della sua pittura.

Dopo la Seconda guerra mondiale continuò ad esporre nelle principali mostre le sue opere di arte astratta.

Sonia Terk Delaunay morì il 5 dicembre 1979 a Parigi.

info:www.fondazionemarconi.org

ANDY WARHOL'S FACTORY

2012-02-21T12:16:00.001+01:00

ROMA
CHIOSTRO DEL BRAMANTE
7 marzo 30 giugno 2012

La mostra Andy Warhol's Factory ripercorre attraverso opere, fotografie, video, film, documenti e installazioni la storia della Factory nel suo periodo eroico, gli anni '60, con un allestimento spettacolare che, attraverso la commistione di differenti "media" ricreerà nelle sale del Chiostro del Bramante la scena de "l'ultima avanguardia" della storia dell'arte.

Creando la Factory inventò la corporation dell'artista, il sistema di lavoro della collaboration.

La Factory era una fabbrica di idee, un progetto contro–culturale che raccoglieva artisti, musicisti, fotografi e creativi e che si trasforma a partire dal 1968 in una vera e propria industria che segnerà profondamente il sistema dell'arte.

Tra i fotografi, oltre allo stesso Warhol, troveremo Billy Name, Gerard Malanga, Christopher Makos, Fred W. McDarrah, David Mc Cabe, Peter Beard e altri.

Seo Young Deok

2012-02-20T14:58:00.000+01:00

Giovane artista coreano , nelle sue opere rappresenta il corpo umano utilizzando catene di bicicletta. 

Raffigura corpi umani, interi o in parte, realizzati saldando prevalentemente catene di biciclette, con le quali costruisce le sue opere, in alcuni lavori le catene appaiono lucide come appena oliate, quasi vive, e in altri corrose e fuse color ruggine che evidenziano il lavoro, lo sforzo fisico , ma anche l’anima dei ciclisti.

Evidente il messaggio di disagio sociale che emerge da queste opere d’arte.

D: foto

2012-02-20T12:30:00.003+01:00

"I nostri progetti sono installati per 14 giorni, e poi vengono smontati. Pur essendo così mastodontici vivono dell'effimero, così come il vento che muove la tela che ricopre le strutture, e fa parte dell'opera, ma che può anche minacciarla pericolosamente."

Opera di Christo al Central park NY , l’artista ricopre i monumenti per farci aprire gli occhi e permetterci di tornare a vederli .

Il Guggenheim a Roma

2012-02-20T12:13:00.000+01:00

JACKSON POLLOCK

Action painting

versare e far colare il colore...l'artista entra nella composizione, interagisce con la sua composizione, con tutto il corpo.Sposta le sue tele dal cavalletto al pavimento...ci cammina intorno, da tutti i lati...è dentro il quadro.

"Quando sono dentro i miei quadri, non sono pienamente consapevole di quello che sto facendo.

Solo dopo un momento di presa di coscenza mi rendo conto di quello che ho realizzato. Non ho paura di fare cambiamenti, di rovinare l'immagine e cosi' via, perchè il dipinto vive di vita propria. Io cerco di farla uscire...

E' solo quando mi capita di perdere il contatto con il dipinto che il risultato è confuso e scadente. Altrimenti c'è una pura armonia, un semplice scambio di dare e avere ed il qudro riesce bene."

(J. Pollock)

IL GUGGENHEIM

L'AVANGUARDIA AMERICANA 1945-1980
ROMA PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI, 7 FEBBRAIO-6 MAGGIO

la mostra è dedicata allo sviluppo dell'arte americana in un periodo di grandi trasformazioni nella storia degli Stati Uniti: un 'epoca segnata da prosperità economica, rivolgimenti politici e conflitti internazionali, oltre che da progressi sostanziali in ambito culturale.La mostra parte dagli anni immediatamente successivi alla seconda guerra mondiale, quando gli Stati Uniti si affermarono come centro globale dell'arte moderna e l'ascesa dell'Espressionismo astratto inizio' ad attrarre l'attenzione internazionale su una cerchia di artisti attivi a New York. Dopo di allora, nell'arte americana si assiste ad una vivace proliferazione di diverse pratiche estetiche: dall'irriverente entusiasmo della Pop Art per l'immaginario popolare fino alle riflessioni sul significato dell'immagine che caratterizzano l'arte concettuale degli anni sessanta; dall'estetica scarnificata del Minimalismo alle sgargianti iconografie del Fotorealismo negli anni settanta.
Pur producendo opere profondamente diverse tra loro, tali movimenti furono accomunati da un impegno sostanziale ad indagare la natura, il senso e le finalità dell'arte.
Nel prendere in esame quest'epoca cruciale per la storia americana, la mostra rivela anche il ruolo svolto dal Solomon R. Guggenheim Museum nel dar forma a quegli sviluppi grazie al costante sostegno offerto agli artisti emergenti. I dipinti, le sculture, le fotografie e le istallazioni in mostra, provenienti in primo luogo dalla collezione permanente del museo di New York, rappresentano gli interessi specifici dei singoli curatori, collezionisti e studiosi che hanno promosso l'arte contemporanea del loro tempo, lasciando la loro impronta sull'istituzione. Il percorso espositivo riflette inoltre l'evoluzione del Guggenehim, da vetrina americana della pittura astratta europea a centro internazionale di riferimento per l'arte moderna e contemporanea. Uno sviluppo che in mostra è messo in evidenza da una significativa selezione di opere provenienti dalla Peggy Guggeneheim Collection.

Frank Stella ispiratore del
Minimalismo, parlando dei suoi lavori dice:" in essi esiste solo cio' che si puo' vedere"

Pop Art
miti, oggetti e linguaggi della società dei consumi, e non solo..

Andy Warhol la sedia elettrica
..colpire lo spettatore e farlo riflettere..

Joshua Sottile

2012-02-20T10:30:00.000+01:00

Joshua Sottile è lo pseudonimo di Emanuele Sottile, Nasce a Torino nel 1977, laureato in Estetica musicale nel 2004. Musicista e Pittore autodidatta.

Inizia accostandosi ai post-impressionisti e all’espressionismo ad esempio Van Gogh, Franz Marc, I Fauves e Matisse. Successivamente scopre l’astrattismo europeo, e Gianluca Polastri nel suo libro: “ Cuori Smascherati ” scrive : “ la sua poetica si pone in bilico fra una figurazione rarefatta e onirica e una rappresentazione geometrica di emozioni, espresse nell’intreccio di linee curve e contrapposizioni cromatiche.” Nel 2009 scopre il nero e il grigio, comincia a studiare la figura umana e passa al figurativo, senza mai abbandonare l’astrazione e dall’Informale dedicandosi al materico, Pollock, Fautrier , Burri, e tutti gli esponenti dell’informale, ma anche da Leonardo e il Rinascimento Italiano per la figurazione.

Nei suoi lavori utilizza vari materiali: colle per piastrelle, gesso in polvere o liquido, stucco, terra, colla UHU, cera , aspirina diluita in acqua, sale o zucchero, vernice, pittura ad olio , acrilico, carta assorbente, glitter e metalli. Ma con l’utilizzo di garza sterile applicata direttamente sulle tele per ricoprire parti del corpo figurato che riesce a tradurre il suo bisogno di matericità, il tormento esistenziale dell’uomo moderno, e ricercare una nuova spazialità in un contesto figurativo.

“Intrappola i propri demoni in tele che corrodono l’anima. Le sue opere sono intrise di un inquietudine che scava nell’interiorità di chi osserva, coinvolgendo il fruitore nel vortice di macabra sensualità che trasuda da un rapporto quasi simbiotico con la pittura e i materiali utilizzati. I lavori di questo artista sono un esplosione di materia oscura e di inaspettata luce."

Intervista completa su : vetrinadelleemozioni.blogspot.com/ joshuasottile

E su www.lettereanimate.com

"Potrei dire che il mio lavoro e la mia ricerca attuale si sviluppa in due direzioni che vorrei cercare di congiungere: figurazione e astratto informale.

Questo ultimo concetto spiega il perche dei miei “ sfondi” dis-armonici ..essi sono il vero soggetto del quadro! è spesso sono dissonanti secondo le regole impressioniste o convenzionali, ma è l’effetto che voglio creare..

Vorrei che il quadro venisse letto in due modi: la figurazione o il fondo. . una bella figurazione con un fondo panna non creerebbe lo stesso effetto di una figurazione tridimensionale rossastra con garze ecc con un fondo pastoso e in rilievo tutto verde!"

Da Zero a Cento, le nuove età della vita

2012-02-20T10:07:00.000+01:00

Vorrei che andaste incontro al sole e al vento

con la pelle, più che con il vestito,

perchè il respiro della vita

è nella luce solare

e la mano della vita è nel vento.

Kahlil Gibran

La mostra si terrà presso la Triennale di Milano, dal 21 febbraio al 1 aprile 2012.

Prodotta dalla Fondazione Marino Golinelli di Bologna in collaborazione con la Triennale di Milano, propone per le scuole di ogni ordine e grado una visita gratuita su prenotazione con due guide per ogni classe.

Nei sei ambienti espositivi, uno per ogni età dell’esistenza umana, le intuizioni di alcuni grandi artisti contemporanei (Evan Baden, Guy Ben-Ner, Martin Creed, Hans Peter Feldmann, Stefania Galegati, Ryan Mc Ginley, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, Gabriel Orozco, Adrian Paci, John Pilson, Cindy Sherman, Miwa Yanagi) saranno messe a confronto con le attuali scoperte della scienza. A Milano la mostra sarà arricchita da una performance di Marcello Maloberti.

Insieme alle opere d’arte, alcune delle quali realizzate appositamente per l’esposizione, una serie di exhibit scientifici spiegheranno anche cosa oggi sappiamo di nuovo su ogni età della vita.

Fonte : http://www.triennale.it

D:video

2012-02-19T10:41:00.003+01:00

Suivront mille ans de calme

Ballet Preljocaj , dal teatro degli Arcimboldi , Milano , in tournèe europea.

Costumi di Igor Chapurin , astro nascente della moda russa e musica techno di Laurent Gernier.

Pièce dai toni biblici con scene dell'artista indiano Sudobh Gupta.

La storia del balletto "seguirà mille anni di pace" si basa sulla Apocalisse di San Giovanni.

" Il balletto utilizza immagini dell'Apocalisse, senza seguire il testo così vicino. L'idea è quella di alzare il sipario per rivelare ciò che è nascosto nelle profondità dell'animo umano." Angelin Preljocaj

Niente è mai veramente perduto

2012-02-19T10:08:00.000+01:00

Il Signore salva senza porre nessuna condizione

Vangelo: Mc 2,1-12

"Una fede che non prende su di sé i problemi d'altri non è vera fede. Non si è cristiani solo per se stessi; siamo chiamati a portare uomini e speranze. A credere anche se altri non credono; a essere leali anche se altri non lo sono, a sognare anche per chi non sa più farlo.  

«Sei perdonato» Lui, come tutti i malati, domanda la guarigione, un corpo che non lo tradisca più. Invece: figlio, ti sono perdonati i peccati.  Perdonare è nel Vangelo è un verbo di moto: si usa per la nave che salpa, la carovana che si rimette in marcia, l'uccello che spicca il volo, la freccia liberata nell'aria.  Il perdono di Cristo non è un colpo di spugna sul passato, è molto di più: un colpo di remo, un colpo di vento nelle vele, per il mare futuro; è un colpo di verticalità, se si può dire così, per ogni uomo immobile nella sua barella. Il peccato invece blocca la vita, come per Adamo che dopo il frutto proibito si rintana dietro un cespuglio, paralizzato dalla paura. Finita l'andatura eretta, finiti i sentieri nel sole! Il peccato è come una paralisi nelle relazioni, una contrazione, un irrigidimento, una riduzione del vivere.  Sei perdonato. Senza merito, senza espiazione, senza condizioni. Una doppia bestemmia, secondo i farisei. Essi dicono: Dio solo può perdonare. E poi: Dio non perdona a questo modo, non così, non senza condizioni, non senza espiare la colpa!

Gesù per l'unica volta nel Vangelo dice apertamente il perché del suo miracolo: lega insieme perdono e guarigione, unisce corporale e spirituale, mostra che l'uomo biblico è un'anima-corpo, un corpo-anima, un tutt'uno, senza separazioni. E rivela che Dio salva senza porre condizione alcuna, per la pura gioia di vedere un figlio camminare libero nel sole, perché la grazia è grazia e non merito o calcolo.  Tutti si meravigliarono e lodavano Dio. Attingere alla meraviglia, sapersi incantare per questa divina forza ascensionale che ci risana dal male che contrae e inaridisce la vita, forza che la rende verticale e la incammina verso casa. Per sentieri nel sole." Ermes Ronchi

Max Ernst - Goldel Eye

Niente è mai veramente perduto, o può essere perduto,

Nessuna nascita, forma, identità, nessun oggetto del mondo.

Nessuna vita, nessuna forza, nessuna cosa visibile;

L'apparenza non deve ostacolare, né l'ambito mutato confonderti il cervello.

Vasto è il Tempo e lo Spazio, vasti i campi della Natura.

Il corpo, lento, freddo, vecchio, cenere e brace dei fuochi di un tempo,

La luce velata degli occhi tornerà a splendere al momento giusto;

Il sole ora basso a occidente sorge costante per mattini e meriggi;

Alle zolle gelate sempre ritorna la legge invisibile della primavera,

Con l'erba e i fiori e i frutti estivi e il grano.

Whitman

Slinkachu

2012-02-19T09:33:00.000+01:00

Slinkachu artista londinese a cui piace giocare con le proporzioni per stupire i passanti e tutti coloro che si trovano di fronte – ad una mostra, per strada oppure in un parco cittadino – alle sue installazioni. Creazioni fuori dalle righe, che sottolineano come alle volte l’abilità artistica sia inversamente proporzionale alle dimensioni dell’opera stessa.

Nei suoi progetti c’è un po’ di tutto, dalla Street art passando per la fotografia e la scenografia, tanto che dargli un nome è difficile: micro-sculture, micro-installazioni o magari micro-fotografie?

http://www.ninjamarketing.it

www.slinkachu.com

D:video

2012-02-18T17:32:00.002+01:00

Comunicatrice di immagini - emozioni

"Cosa ti manca per essere felice?" La ricetta del sorriso di Simona Atzori

Con il ricordo di Cannavò, il sogno del palcoscenico, la rinuncia alle protesi.

"Adesso sono felice, smodatamente, spudoratamente felice. Ed è una gioia raccontarla, questa mia felicità”

d : video

2012-02-18T15:40:00.000+01:00

Lorenzo Petrantoni- Timestory

2012-02-18T08:50:00.002+01:00

A Milano, dal 2 marzo al 1° di aprile la mostra dell'artista Lorenzo Petrantoni, una colossale installazione ambientale dentro il Palazzo delle Stelline, nello spazio espositivo del Gruppo Credito Valtellinese nato dal riuso dell'antico refettorio delle orfanelle milanesi di San Carlo Borromeo.

Lo spazio - 60 metri di lunghezza, per 6 di larghezza, per 5 di altezza - interamente coperto a volta e scandito dalle capriate in ferro che ne sostengono i piani superiori, venne inaugurato nel 1987 da Andy Warhol ed il richiamo all'artista statunitense non e' casuale per questa mostra 'pop-up' di Petrantoni.

Il lavoro è articolato in una miriade di minuscole particelle cartacee - quasi dei post-it tassonomici sull'evoluzione dei cliche's tipografici per ornamenti e caratteri a stampa - si articolera' in tre macro temi, a partire proprio da una installazione a scala ambientale (50 metri lineari) con la riproduzione in gigantografia della parola 'Timestory'.

Lorenzo Petrantoni lavora come Art Director presso un’agenzia di pubblicità di Milano.  Da qualche anno si dedica alla realizzazione di opere create attraverso una particolarissima tecnica definita da lui stesso “collage enciclopedico”. Il processo creativo consiste nel ricercare illustrazioni di vecchi libri e riassemblarle facendosi guidare dal grande amore per la grafica.  Nascono così i lavori di Lorenzo; capaci di dare nuova vita e nuovi significati a immagini altrimenti sepolte tra le pagine di antichi volumi.

Ye Hongxing

2012-02-18T08:39:00.000+01:00

Ye Hongxing giovane artista cinese , impiega motivi tradizionali ed elementi moderni nella sua serie Fusion. Esprime una visione unica, combinando la tradizione occidentale della pittura ad olio con motivi decorativi in porcellana cinese. I suoi quadri sono autoritratti in cui il suo volto, con occhi chiusi, appare dietro luminosi motivi floreali. La sua espressione facciale è di particolare importanza.

Il suo lavoro sembra abbracciare una dualità di nozioni:. Realismo e visionario.   L'artista sostiene che Fusion è la sua reazione al "rapido cambiamento del sistema sociale cinese". Forse è il modo di negoziare il suo ruolo di artista nella Cina contemporanea.

Andrew McAttee

2012-02-17T15:09:00.008+01:00

"Il mio lavoro trae influenza da una vasta gamma di fonti, graffiti art, grafica dei fumetti, pop art e l'espressionismo astratto.

L'effetto è un tipo di fumetto pop onirico, confinante con un assalto sensoriale, con tutti i tipi di forme, colori e texture bombardano la retina. Con un conseguente senso prevalente di movimento e vitalità, come un universo bubblegum psichedelico, pullula di vita.

Andy Warhol disse una volta che voleva dipingere glamour - glamour semplice semplice. Voglio dipingere ottimismo - ottimismo semplice senza complicazioni, sono stati non ci sono codici nascosti dietro gli strati di vernice.

Il mio obiettivo è quello di fornire allo spettatore un tripudio variopinto di gravità situato in forme nello spazio apparentemente senza fine con un senso di ambiguità, umorismo e celebrazione." Andrew McAttee

Talento emergente di arte surreale Andrew McAttee è presente alla Scream gallery di Londra fino al 17 marzo.

info:http://www.mcattee.com

Vik Muniz

2012-02-17T11:00:00.000+01:00

“E’ un po’ un punto di vista diverso a cui non si è abituati, un tipo di arte dove si pianifica, si gestisce, si organizza, si ragiona in larga scala , che il momento in cui una cosa si trasforma in un’altra è magico” Vik Muniz

Vik Muniz è un famoso artista brasiliano che vive negli stati uniti da una ventina di anni, e che recentemente è uscito fuori dalla nicchia degli artisti “alternativi” balzando all’attenzione del grande pubblico per il film lixo extraordinário che è stato nominato agli ultimi Oscar . Il film parla della genesi di alcune opere d’arte di Muniz fatte mettendo insieme la spazzatura e fotografandola dall’alto ad alcuni metri di distanza. Ma a parte la cosa tecnica e il fascino di vedere come il rifiuto si traforma in arte (e come è possibile fare cose belle a partire dal niente) il film ha anche una funzione sociale, perché è soprattutto un documentario che narra le vicende quotidiane dei lavoratori di una discarica brasiliana (i catadores de lixo) , vuole informare sulle condizioni difficili di questi lavoratori ultimi, ed è anche un gesto concreto di solidarietà, visto che i proventi sono stati destinati al miglioramento delle condizioni di vita di queste persone.

Lui è uno sperimentatore che inventa cose su cose da molti anni, sempre evitando i supporti tradizionali: ad esempio invece della classica pittura ad olio su tela (solo per dire la tecnica più conosciuta e diffusa al mondo) lui “dipinge” piccole opere con lo zucchero, o con il burro di arachidi, o con la cioccolata liquida, o salendo di dimensioni, “dipinge” mettendo insieme oggetti, anche molto grandi. Alcune opere arrivano infatti a dimensioni ragguardevoli, come il trittico che rappresenta il mondo, realizzato con i rifiuti tecnologici (vecchi computer, periferiche, telefoni ecc) e che misura circa 50 x 210 metri. Un’arte che insegna a vedere le cose diversamente.

 lixo extraordinário ( Waste Land) film, prodotto nel 2010 da Gran Bretagna e Brasile, con la regia di Lucy Walker, Karen Harley e João Jardim, ha vinto il Sundance Film Festival nel 2010.

fonte http://brasilcotidiano.wordpress.com

Joan Miro' torna a Roma

2012-02-17T10:41:00.001+01:00

"Il quadro deve essere fecondo, deve far nascere un mondo. Deve essere come delle scintille, deve sfavillare come quelle pietre che i pastori dei Pirenei usano per accendere la pipa ".

Da molti anni Roma non ospita una rassegna esaustiva dell'opera di Joan Miro'. Ora, dal 16 marzo, ' al Chiostro del Bramante si potranno ammirare oltre 80 lavori del genio catalano, mai giunti prima nel nostro Paese, tra cui 50 olii di grande formato, ma anche terrecotte, bronzi e acquerelli.

La mostra presenta l'intera produzione artistica di Miro', nato nel 1893, tra gli anni 1908-1981. Un particolare approfondimento sara' rivolto alle opere create nei trent'anni anni in cui Miro' visse a Maiorca e cioe' dal 1956 fino alla morte avvenuta nel 1983. Un periodo particolarmente felice per l'artista, che finalmente aveva a sua disposizione un grande atelier e un laboratorio, a contatto con la natura, sua musa ispiratrice, che da' vita a nuove idee e che gli fa iniziare contemporaneamente piu' opere.

In mostra si potranno ammirare, tra gli altri capolavori, gli olii Femme dans la rue (1973) e Untitled (1978); i bronzi come Femme (1967); gli schizzi tra cui quello per la decorazione murale per la Harkness Commons-Harvard University.

Gustav Klimt

2012-02-17T10:30:00.000+01:00

IL BACIO

GUSTAV KLIMT

MILANO SPAZIO OBERDAN fino al 6 maggio 2012

Milano è la prima città italiana a celebrare il 150°anniversario della nascita di Klimt. e lo fa esponendo la riproduzione a grandezza originale del Fregio di Beethoven, in unione con altri quindici disegni correlati al famoso affresco che si trova nel Palazzo della Secessione di Vienna.

Gustav klimt è l'artista piu' rappresentativo dell' Art Nouveau.
In lui prevalgono il simbolo e l'evocazione della realtà, piu' che la sua rappresentazione.
Attraverso i colori sapientemente dosati,le forme bidimensionali rese preziose da intarsi cromatici propri dei mosaici bizantini, le sue opere sono armonizzate e finalizzate alla rappresentazione dell'inconscio.
Espressione di un mondo interiore sapientemente e morbosamente mostrato in tutta la sua angoscia,
klimt sa invero anche poeticamente illustrare un paesaggio e raffigurare sui volti delle donne che ritrae la loro forza interiore.. da capace e attento osservatore

è senza dubbio l'artista che piu' ha indagato la complessità della psiche femminile, scavando nelle piu' nascoste pulsioni, desideri, fantasie morbose e conturbanti e di contro l'innocenza trasparente...
la forza e la fragilità...la sicurezza e il dubbio...sottomissione e comando...
la donna è l'incarnazione dell'eros, bellezza e sensualità, da' vita e morte, dolore e gioia, passione e frustrazione...

"Il Bacio" rappresenta l'unione perfezionata di anima e corpo, finalmente avvenuta contro le avversità...una tale forza e tenerezza emana la tela! i due amanti si abbandonano al sogno in una dimensione extratemporale e spaziale...estranei al mondo, fuori dalla realtà...è la donna che trasmette la pienezza delle emozioni mentre si lascia cingere dalle braccia dell'amato in un abbandono totale ed incondizionato all'amore, sicura, serena, viva...

e il Fregio di Beethoven ne sugella l'immortalità, l'unione indivisibile, imprescindibile,ineluttabile di un uomo e una donna che superano la malvagità e la morte con la forza vitale dell'amore..

Noi, gli eroi di Jean-Luc Lagarce

2012-02-16T14:44:00.013+01:00

Dal 20 al 26 febbraio, al Teatro Studio ‘Eleonora Duse’, via Vittoria, 6, Roma, L’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica ‘Silvio d’Amico’ in collaborazione con ‘Face à Face – Parole di Francia per Scene d’Italia’ 2012, presenta, in prima assoluta per l’Italia, Noi, gli eroi di Jean-Luc Lagarce, saggio degli allievi del terzo anno del Corso di Recitazione, regia di Valentino Villa.

Undici attori sulla scena per celebrare il teatro come metafora della vita: Jean-Luc Lagarce racconta di una piccola compagnia alle prese con le difficoltà della politica culturale di provincia di una non meglio precisata Europa centrale.

"In Lagarce, si parla d’amore, della paura e dello spettro della vecchiaia, della malattia e della morte, della guerra che distrugge e gira intorno a noi. In ogni singola parola, quasi in modo maniacale, si percepisce l’amore incondizionato dell’autore per i personaggi, per gli attori, per l’ambiguità, per il verosimile, il non detto, per le quinte, le prove. E se non c’è molto spazio per il vero ma molto amore per il verosimile nel narrare la vita quotidiana di una compagnia di teatro mai si incontra, in questo come in tutti i testi di Lagarce, il desiderio di utilizzare le anacronistiche armi del realismo. Noi, gli eroi è un universo fatto di malinconia e umorismo. E Lagarce ci implora di posare uno sguardo malinconico e divertito sui suoi eroi. Ma di quali eroi si tratta? Di poetici disadattati che si battono contro i mulini a vento della vita e dell’arte e che lo fanno con le loro armi: goffaggine, bellezza, enfasi, dolore e incoscienza. Ne risulta un quadro intimista ed epico allo stesso tempo." Valentino Villa

info : http://www.teatrionline.com

Jean-Luc Lagarce (Héricourt, 14 febbraio 1957 – 30 settembre 1995)autore e produttore francese, fondò il "Teatro della Roulotte" nel 1978. Morì precocemente a 38 anni, colpito dall'AIDS.

DonnaScultura a Pietrasanta

2012-02-16T14:32:00.001+01:00

E' in programma dal 19 febbraio all'11 marzo la 10/a edizione di DonnaScultura, rassegna espositiva ideata dall' assessorato alla cultura del Comune di Pietrasanta. Per celebrare il decennale della sua nascita, la kermesse, che solitamente ospita i lavori di 4 artiste, quest'anno accogliera' le creazioni di quaranta scultrici, originarie di svariate parti del mondo, ma tutte fortemente legate a Pietrasanta.

Una sezione speciale dell’esposizione sarà poi dedicata alle opere di quattro artiste che hanno vissuto e creato, da ‘pioniere’ della scultura al femminile in Versilia, si tratta di Rosalda Gilardi, Esther Lapointe, Maria Papa e Alicia Penalba.

About Leigh Bowery

2012-02-16T02:09:00.011+01:00

Due fotografi di fama internazionale: Fergus Greer (United Kindom) e Johnny Rozsa (Nairobi), attraverso i loro scatti raccontano la leggenda di Leigh Bowery (1961-1994), uno dei più controversi ed avanguardistici personaggi degli anni ‘80.

La mostra “About Leigh Bowery” è uno spaccato fotografico sulle gesta di un artista, performer, fashion designer, aspirante pop star e oggetto d’arte quale è stato Bowery. Semisconosciuto in Italia, ha di fatto cambiato il linguaggio visivo influenzando personaggi nel mondo dell’arte, della moda, della musica. Lucian Freud, Boy George, Antony and the Johnsons, Alexander McQueen, Vivienne Westwood, John Galliano e David LaChapelle solo per citarne alcuni, che hanno condiviso e diffuso le sue idee d’avanguardia.

Leigh Bowery, per la sua abilità nel cambiare identità, può essere visto come un autentico testimone della protesta contro l’omologazione ed il conservatorismo, rappresentando così l’unicità di ogni vita che non accetta regole per il comportamento e per l’apparenza, in un puro stile new-romantic che esalta l’individuo nella libertà espressiva del genio. Bowery si offre in un’immagine che, in un’ottica transgender, supera la divisione in maschile e femminile nell’aspetto fisico e comportamentale, mostrandoci i codici della seduzione e della comunicazione attraverso il corpo e i suoi vestiti, dando origine a nuovi concetti di glamour e bellezza. Leigh Bowery è tra gli interpreti più estremi del contesto storico in cui vive: quello dell’abolizione di qualsiasi restrizione a favore della creatività più libera e della totale sperimentazione e contaminazione tra i linguaggi della musica, dell’arte, della moda e del design. Fergus Greer e Johnny Rozsa conoscono e collaborano con Bowery tra l’86 e il ’94, anno della sua scomparsa a causa del virus dell’HIV.

fonte:http://www.eosarte.eu

Fergus Greer – Johnny Rozsa “About Leigh Bowery” fino al 31 marzo 2012 Milano

D:video

2012-02-15T12:50:00.005+01:00

Danza Nubiana con Osama Emam al Genova Racks Festival 2012, tre giorni dedicati alla danza orientale‎ da Venerdì 24 febbraio 2012.

Osama Emam. Insegnante di danza e coreografo d’Arte di danza egiziana con sede a Il Cairo in Egitto, la terra della danza orientale. E' un maestro e direttore del Kaoumeya Troupe per la danza folkolore. Rappresenta l’Egitto in molti festival di tutto il mondo, per citarne alcuni: in America, Francia, Giappone, Cina, Germania, tutto il mondo arabo e altro ancora. Ha anche il suo gruppo di danza per danza folcloristica in Egitto chiamato "Layali El Sharq". Nel maggio 2006 è stato ospite all’annuale Stockholm Belly Dance Festival in Svezia, dove insegnava e faceva spettacoli. Una delle danze che eseguiva era molto gradita al pubblico, una danza graziosa chiamata Nubian insieme al suo ballo con la sorella: Lubna Emam. Osama è anche un insegnante regolare presso il popolare Nile Group Festival al Cairo presso l’Hotel Pyramisa, dove ci sono anche varie occasioni di vedere il suo Gruppo Folcloristico fare spettacoli.

fonte http://www.genovatoday.it/eventi/genova-racks-festival-976234.html

D: foto

2012-02-15T12:25:00.003+01:00

Pompei 1982

Mimmo Jodice, artista napoletano di fama internazionale, tra i massimi interpreti della fotografia contemporanea.

Mario De Biasi

2012-02-14T16:19:00.001+01:00

"Ha fotografato rivoluzioni, uomini famosi, paesi sconosciuti. Ha fotografato vulcani in eruzione e distese bianche di neve al Polo a sessantacinque gradi sottozero. La macchina fotografica fa parte ormai della sua anatomia, come il naso e gli occhi". Bruno Munari

Si inaugura domani la mostra "Un mondo di Baci", del grande fotografo italiano ad Aosta , 36 fotografie scattate nel corso della sua carriera, da New York a Rio, passando per Milano, Firenze, Parigi, Vienna, Londra. Fotografie che descrivono la vita attraverso il suo gesto più conosciuto e abitudinario, il bacio, un’azione dal forte valore simbolico.

" De Biasi è autore di 132 copertine di Epoca, con cui ha collaborato per trenta anni, oltre ad innumerevoli reportage da tutto il mondo. Con la sua attività ha saputo regalare uno sguardo attento alle vicende del mondo, presentandole al pubblico con formidabile resa narrativa e quel tocco di poesia che il visitatore potrà ritrovare nella mostra di Aosta, all‘attività di fotografo affianca quella di disegnatore, alla quale si dedica con passione e quella di docente nei numerosi workshop in cui insegna ai giovani. La mostra, che sarà visitabile fino al 26 maggio 2012, è accompagnata da un catalogo bilingue italiano-francese che contiene la riproduzione di tutte le opere in mostra, edito da Allemandi, con testi di Raffaella Ferrari, Daria Jorioz e Italo Zannier."

di Moreno Vignolini

L'amore salva la vita

2012-02-14T11:18:00.000+01:00

Cattelan, l'amore salva la vita 1995

When I’m sixty-fou

2012-02-14T08:24:00.000+01:00

Oskar Kokoschka, La sposa del vento, 1914

Quando avrò 64 anni

Quando sarò più vecchio e perderò i capelli,

tra molti anni,

continuerai a mandarmi un biglietto per San Valentino

e una bottiglia di vino con gli auguri di compleanno?

Se stessi fuori fino alle due e tre quarti

chiuderesti la porta?

Avrai ancora bisogno di me, mi preparerai da mangiare,

quando avrò sessantaquattro anni?

Anche tu sarai più vecchia,

e se dici la parola, potrei restare con te.

Potrei essere utile, riparare un fusibile

Quando va via la luce.

Tu puoi fare un maglione davanti al camino

andare a fare un giro la domenica mattina,

curare il giardino, togliere le erbacce,

Chi potrebbe chiedere di più?

Avrai ancora bisogno di me, mi preparerai da mangiare,

quando avrò sessantaquattro anni?

Ogni estate possiamo affittare un cottage,

all'Isola di Wight, se non è troppo caro.

Lesineremo e risparmieremo.

Coi nipotini sulle ginocchia

Vera, Chuck & Dave.

Mandami una cartolina, scrivimi due righe,

Dichiarando il tuo punto di vista

Indica precisamente che cosa intendi dire

Sinceramente tuo, mi consumo nell’attesa.

Dammi la tua risposta, compila un modulo

mia per sempre.

Avrai ancora bisogno di me, mi preparerai da mangiare,

quando avrò sessantaquattro anni?

The Beatles

...il rosso è pura vitalità, nelle grandi azioni, come nei piccoli gesti..porta la vita!

2012-02-13T12:47:00.001+01:00

"ENOUGH!"

VINCENZZO UTO

WALL OF SILENCE

DARK SOUL

AGAINST SILENCE

Vincenzzo Uto (16-07-1970)

artista tedesco, vive in un piccolo villaggio della Germania del nord amante del silenzio, come si definisce...

dopo aver lavorato nel settore del commercio, e dopo una seria malattia ha iniziato a lavorare in una struttura psichiatrica applicando le teorie dell'arte terapia.

I suoi quadri non sono destinati solo alla vendita...Vincenzo vuole incoraggiare le persone a riflettere, a pensare...questo è piu' importante.

ma gli uomini sono ben felici di esprimere le proprie opinioni, le proprie lamentele, soprattutto sulle cose ritenute importanti per i propri fini, per i propri vantaggi, ma le paure, le debolezze, i fallimenti, no.nessuno ama parlarne...

ma soprattutto noi viviamo in una società dove il destino degli altri è spesso ignorato...perchè?

Le sue opere inducono alla riflessione, alla identificazione con esse, ritrovarsi e vedere riflesse le proprie paure, il profondo essere che turba, a volte incofessabile, e qui cosi' chiaro.

le opere della mente:

"lavorare in una struttura psichiatrica, mi ha aiutato a scoprire le profondita dell'anima..sono preoccupato dagli eventi, dai pensieri e opinioni di coloro che non sono sottoposti a cure psichiatriche..! non fraintendermi, non sto dicendo che la società è malata, ma che qui c'è qualcosa che non va!la stigmatizzazione dell'alterità deve essere fermata, dobbiamo essere educati al rispetto per i nostri simili.

le voyeur

living passion

il rosso è l'umanità, l'amore, la vita, il romanticismo, il pericolo, il sangue...

io stesso sono cosi'...il rosso è pura vitalità, nelle grandi azioni, come nei piccoli gesti..porta la vita!

grazie per la chiacchierata, Vincenzzo...thank you so much!

Susanna

abbandonati in braccio

2012-02-13T11:52:00.000+01:00

Auguri Antonia,

nel centenario della nascita di Antonia Pozzi – poetessa morta suicida a soli 26 anni – pubblichiamo alcune sue poesie.

Abbandonati in braccio al buio

Abbandonati in braccio al buio
monti
m’insegnate l’attesa:
all’alba – chiese
diverranno i miei boschi.
Arderò – cero sui fiori d’autunno
tramortita nel sole.

La porta che si chiude

Tu lo vedi, sorella: io sono stanca,
stanca, logora, scossa,
come il pilastro d’un cancello angusto
al limitare d’un immenso cortile;
come un vecchio pilastro
che per tutta la vita
sia stato diga all’irruente fuga
d’una folla rinchiusa.
Oh, le parole prigioniere
che battono battono
furiosamente
alla porta dell’anima
e la porta dell’anima
che a palmo a palmo
spietatamente
si chiude!
Ed ogni giorno il varco si stringe
ed ogni giorno l’assalto è più duro.
E l’ultimo giorno
– io lo so –
l’ultimo giorno
quando un’unica lama di luce
pioverà dall’estremo spiraglio
dentro la tenebra,
allora sarà l’onda mostruosa,
l’urto tremendo,
l’urlo mortale
delle parole non nate
verso l’ultimo sogno di sole.
E poi,
dietro la porta per sempre chiusa,
sarà la notte intera,
la frescura,
il silenzio.
E poi,
con le labbra serrate,
con gli occhi aperti
sull’arcano cielo dell’ombra,
sarà
– tu lo sai –
la pace.

Milano, 10 febbraio 1931

Un destino

Lumi e capanne
ai bivi
chiamarono i compagni.

A te resta
questa che il vento ti disvela
pallida strada nella notte:
alla tua sete
la precipite acqua dei torrenti,
alla persona stanca
l’erba dei pascoli che si rinnova
nello spazio di un sonno.

In un suo fuoco assorto
ciascuno degli umani
ad un’unica vita si abbandona.

Ma sul lento
tuo andar di fiume che non trova foce,
l’argenteo lume di infinite
vite – delle libere stelle
ora trema:
e se nessuna porta
s’apre alla tua fatica,
se ridato
t’è ad ogni passo il peso del tuo volto,
se è tua
questa che è più di un dolore
gioia di continuare sola
nel limpido deserto dei tuoi monti

ora accetti
d’esser poeta.

13 febbraio 1935

www.antoniapozzi.it

Il domani avrà i tuoi occhi

2012-02-12T15:01:00.006+01:00

Chagall - amore

"L’amore ha bisogno di tempo per maturare, come una pianta deve saper resistere con pazienza nelle piogge d’autunno e stare serena nelle tempeste di primavera. Come una pianta, il tempo renderà l’amore umiltà e dolcezza. Non dipende solo dalla pigrizia se le relazioni umane si ripetono così monotone e senza novità, ma dalla paura del nuovo e dell’imprevedibile che l’amore richiede, dal non lasciare uno spazio aperto che divenga un luogo non solo per accogliere l’altro, ma per la relazione con lui. Uno spazio dov’è consentito deporre le armi, rilassarsi e incontrarsi.

L’amore oltre le parole ha bisogno di gesti e sincerità. I gesti dell’amore sono fatti di piccole attenzioni quotidiane, della sorpresa del cuore quando i passi di chi ami si avvicinano, di sguardi che allontanano le tenebre e proteggono l’amore. Sono fatti di dettagli che nascono dal vicendevole servirsi, dall’intimità, dal respiro e dal parlare della pelle. La sincerità dell’amore deve essere tanto umile da lasciarsi guardare nella verità e tanto misericordiosa da vedere senza condannare, perché l’amore deve essere sincero più che perfetto.

Non sopporto l’amore che si gonfia di orgoglio o si consuma in una generosità invadente. L’amore vero è discreto e delicato, rispettoso delle ferite e delle emozioni di ogni uomo. Mi piace chi ama una persona senza chiedersi da dove viene e verso dove va, sentendo che solo con spirito puro e libero può camminare con lui.

L’amore non lega, ma libera. L’altro non è la tua metà, né complementare a te, è un’identità che si realizza solo nel rispetto della diversità, nel permettere all’altro di restare di carne, vivo e senza trasformarlo in quel che tu vorresti. La gelosia, l’ansia e l’intransigenza che nascono nell’amore sono figlie di una paura che non sa vedere l’altro nella sua essenzialità e verità, nella sua luce ed ombra.

Nascono dal non sapere scrutare i segreti del cuore, da un amore che non ha la forza di aiutarci a vivere, a morire, e soprattutto a rinascere di nuovo." di Luigi Verdi

(tratta da "Il domani avrà i tuoi occhi", casa editrice della Fraternità di Romena)

Alla Tate Modern una retrospettiva dedicata a Kusama

2012-02-12T14:36:00.005+01:00

«La mia arte è una battaglia vissuta ai confini tra la vita e la morte. Il Giappone era troppo piccolo, troppo servile, troppo feudale e disdegnava troppo le donne. La mia arte aveva bisogno di una libertà piú illimitata e di un mondo piú vasto».

"Kusama , la sua arte è espressione delle sue visioni e allucinazioni, delle sue paure e delle sue fobie, manifestazione tangibile della sua vita interiore e della sua anima. E' un'arte di elementi ricorrenti di decennio in decennio, come i pois, che sono a volte puntini impercettibili e a volte cerchi, a volte forme biomorfiche come girini e spermatozoi e a volte occhi sbarrati. Peró è anche un'arte di continua innovazione e incredibile energia e creatività." ( Nicol Degli Innocenti )

Yayoi Kusama  

9 febbraio – 5 giugno 2012 

Tate Modern, Londra 

www.tate.org.uk

Tiziano e la nascita del paesaggio moderno

2012-02-12T11:07:00.000+01:00

La nascita del paesaggio moderno nella pittura del '500 attraverso 50 opere. La 'Crocifissione nel paesaggio' di Giovanni Bellini e 'La prova del fuoco' di Giorgione accompagnano 'La sacra conversazione' di Tiziano fino a seguire il modificarsi della funzione del paesaggio in cui le opere sono accostate ad altri dipinti di Tiziano come 'L'Orfeo e Euridice', 'La Nascita di Adone', 'Tobiolo e l'angelo', 'L'adorazione dei pastori'.

Promossa dal Comune di Milano - Cultura, Moda, Design e Palazzo Reale, in collaborazione con Civita e GAmm Giunti, apre dal 16 febbraio al 20 maggio, la mostra 'Tiziano e la nascita del paesaggio moderno'. Palazzo Reale, a cura di Mario Lucco, ideata da Tekne International, cinquanta opere alla scoperta della nascita del paesaggio moderno nella pittura del cinquecento.

info:beniculturali.it

D: foto

2012-02-12T08:01:00.000+01:00

Foto : Startrail, Pomagagnon Cadore di Giuseppe Menardi

Palla al piede . Io o l'handicap?

2012-02-11T17:29:00.008+01:00

La storia di un’amicizia sincera, forza d’animo, apertura, prossimità all’altro .

Walter e Gianmario. Uno è artista che lavora rame ed altri metalli ed è disabile, l’altro è un bancario in pensione, apparentemete niente in comune, eppure profondamente uniti.

L’amicizia tra Walter e Gianmario è raccontata nel libro, una “palla al piede”, appellativo che gli amici usano per descrivere Walter.

"Nel corso della mia vita ho tentato un paio di volte di scrivere un libro per comunicare agli altri il mio diverso mondo, ma si è trattato di miseri tentativi falliti in breve tempo, perché ero impreparato a scrivere e convinto che fosse un argomento poco interessante". Finché Walter non incontra Gianmario, che lo convince: «E così ecco il mio tanto desiderato libro!». Ventiquattro brevi capitoli scoppiettanti di umorismo ad ogni pagina, per raccontare in prima persona le avventure, i pensieri, i desideri di una "palla al piede", come gli amici chiamano Walter.

Walter Lavacca, "Palla al piede . Io o l'handicap?" ed Ancora.

Angelo Casati-Nel silenzio delle cose

2012-02-11T16:15:00.001+01:00

foto: Beppe Antony

Nel silenzio delle cose

“Don Angelo ha deciso di incontrare l’uomo, ogni essere umano, là dove si trova, là dove Dio lo ha posto o dove le vicende della storia lo hanno confinato, là dove uno ha scelto di stare o dove hanno decretato che lui stesse. È sulla terra, a volte nella durezza della pietra o dell’asfalto, a volte nella dolcezza di un prato in fiore, ma è sempre sulla terra, in quell’humus di cui siamo fatti che la poesia di don Angelo coglie gli eventi e le persone, e mai gli uni senza le altre”. Enzo Bianchi priore di Bose

La mia anima beve

 silenzio. 

Pulsa la luce leggera 

come lampada fioca 

alla punta estrema 

del cuore.

Angelo Casati

Dunque ci sei?

2012-02-11T11:04:00.000+01:00

Brides On Fire by David Walker

Dunque ci sei? Dritto dall’attimo ancora socchiuso? La rete aveva un solo buco e tu proprio da lì? Non c’è fine al mio stupore, al mio tacerlo. Ascolta, come mi batte forte il tuo cuore.

Wislawa Szymborsk

Gianfranco Pardi

2012-02-11T00:18:00.000+01:00

E’ morto giovedì 2 febbraio, nella sua casa di Milano, in seguito ad un attacco cardiaco, l’artista Gianfranco Pardi, nato a Milano nel 1933.

"Gianfranco Pardi, esponente di punta della scena artistica italiana e internazionale negli ultimi 50 anni. Era nato a Milano nel 1933.  Colto, irrequieto, curioso, mai banale. Sempre alla ricerca di nuove tecniche e nuovi linguaggi per rappresentare la sua passione visionaria. Se la ripetitività fino alla noia per molti artisti è un valore. Non per Gianfranco Pardi, artista fuori dal coro per eccellenza, migrante perenne ma profondamente coerente a uno stile personale, chiaro e inequivocabile, che caratterizza tutta la sua opera, dai “Giardini Pensili” di fine anni Sessanta, ai lavori più recenti.  La sua ricerca artistica si concentra, verso la fine degli anni ‘60, su alcuni luoghi fondamentali della concezione dello spazio: le “Architetture”, opere che esprimono chiaramente la volontà di fondare lo spazio attraverso metodologie costruttive. Ma la sua arte fissa le sue regole anche in un processo che mira a recuperare le potenzialità della pittura, riacquistandone la memoria storica rimanendo nello spazio virtuale del quadro.  Nel 1986 partecipa alla Biennale di Venezia con una sala personale; nello stesso anno è presente alla Triennale di Milano e alla Quadriennale di Roma. Nel 1998 Palazzo Reale di Milano ospita una sua personale. Nel 1999 è in Germania con tre importanti esposizioni in istituzioni pubbliche. Storico il sodalizio con la Galleria Giorgio Marconi di Milano e più recentemente con la Fumagalli di Bergamo. Intensa anche l’attività di Pardi scultore. I suoi lavori si trovano in numerosi spazi pubblici e privati in Italia e all’estero." di Martina Corgnati

D. foto

2012-02-10T21:10:00.000+01:00

Fiore pungente

2012-02-10T17:13:00.000+01:00

Ultimo frammento

E hai ottenuto quello che

volevi da questa vita, nonostante tutto?

E cos è che volevi?

Sentirmi chiamare amato, sentirmi

amato sulla terra.

Raymond Carver

Don Andrea Gallo è un "Fiore pungente" che sa riconoscere i "Fiori pungenti" che si muovono nel cielo dei suoi sentieri. Alla luce del giorno quando i suoi passi lo portno a muoversi dove il bisogno chiama; nel buio della notte, by night nel gergo affettuoso della Comunità di San Benedetto, quando i pensieri vorticano nella testa e si avvitano nella ricerca di soluzioni a volte impossibili e non lasciano agli occhi, ancora incollati come l'anima a quella realtà che si vuole vedere perché si deve vedere, la libertà di chiudersi e riposare. E a questi "Fiori pungenti" dona continuamente riconoscenza e gratitudine; abbiano essi la consistenza della Carta Costituzionale del nostro civile convivere o del Vangelo di Cristo, o formino la lunga schiera dei suoi maestri e formatori a partire da Don Bosco; siano gli uomini che hanno segnato in modo indimenticabile il loro ministero ecclesiale nel nome di Cristo, come Dom Helder Camara o Papa Giovanni XXIII, o si affermino a noi come memoria vivente degli uomini che hanno speso la loro vita per renderla per tutti più degna di essere vissuta come il monaco Dossetti, o Giorgio La Pira, o, in altre latitudini non solo geografiche, Ernesto Che Guevara e Gandhi ...

.. lo sono certo che le persone che hanno incontrato Don Andrea Gallo si sono sentite amate su questa terra; alcuni forse per un attimo, altri per un periodo più lungo, alcuni per tutta la vita. Tutti lo sentono affiorare dagli angoli piCI reconditi della memoria ogni tanto. E anche Andrea, può esserne certo, è e sarà amato su questa terra.

( Angelo Guarnieri)

" Infine le rose ,la bellezza la nobiltà, forse anche la santità. Sia di giardino che selvatiche . E perchè le spine? Per mostrarci che anche la bellezza più pura ha in se i suoi difetti, il suo male , o per insegnarci che per arrivare a quella bellezza bisogna proteggersi , avere spine, oppure per avvisarci che per coglierle , per rubarne il profumo, almeno una prova bisogna superarla : evitare di pungersi.

Oppure soltanto per dare ragione della falicità del dire: " Non c'è rosa senza spine.""

Don Andrea Gallo , Il fiore pungente. Casa editrice o Caroggio - 2001

D:video

2012-02-10T16:04:00.001+01:00

Il Teatro EuropAuditorium ospita Parsons Dance, una delle più importanti compagnie di danza moderna statunitense domenica 12 febbraio .

Dagli anni ’80 David Parsons, vera e propria icona della Post Modern Dance statunitense, crea una danza piena di energia e positività, acrobatica e comunicativa al tempo stesso. Al suo stile, una personale mescolanza di fisicità, umorismo e tecnologia, hanno contribuito anche le esperienze con Pilobolus, Momix e White Oak Dance Project fondato da Mikhail Baryshnikov.

Il desiderio di creatività, di sperimentazione tra danza, musica e luci hanno spinto Parsons a fondare la Parsons Dance nel 1987 insieme al light designer Howell Binkley. La Parsons Dance è tra le poche compagnie che, oltre ad essersi affermate sulla scena internazionale con successo sempre rinnovato, sono riuscite a lasciare un segno nell’immaginario teatrale collettivo e a creare più di 70 coreografie divenute veri e propri “cult” della danza mondiale. Sin dagli esordi si distingue per l’alta preparazione atletica degli interpreti e la grande capacità di Parsons di dare anima alla tecnica.

Lo spettacolo sarà una raccolta dei brani più famosi del poliedrico coreografo americano David Parsons ai quali verrà aggiunta l’ultima creazione “Round My World”.

Tezuka -La danza dei manga

2012-02-10T12:41:00.001+01:00

L’Auditorium Parco della Musica ospiterà nel mese di febbraio l’ottava edizione di Equilibrio - Festival della nuova danza, la rassegna che offre una panoramica sulla danza mondiale ospitando artisti emergenti e maestri eccelsi della scena internazionale.

La direzione artistica è affidata a Sidi Larbi Cherkaoui, il coreografo e danzatore belga. Il cartellone alternerà figure storiche della danza e del teatro-danza ad artisti più giovani, che si muovono in territori di confine tra la danza, il circo e il teatro.

E sarà proprio Cherkaoui ad aprire il festival con Tezuka, la sua nuova creazione, ispirata a Osamu Tezuka, disegnatore di manga, artista di fama mondiale. “Astro Boy” e “Buddha”, due dei manga più famosi nella cultura popolare giapponese, catturano in particolar modo l’immaginario di Cherkaoui che esplora il visionario mondo di Tezuka: una miscela di tradizione, fantascienza e realtà contemporanea.

La filosofia, i disegni e i personaggi del “dio dei manga” prendono vita sulla scena attraverso il movimento dei danzatori che traccia l’evoluzione fisica dei disegni di Tezuka dalla linea nera sulla pagina bianca al singolo kanji (carattere di scrittura giapponese), sino ad arrivare al personaggio manga.

info: http://ioblog.iodanzo.com

www.happycity.aci.it

Tezuka

Coreografia Sidi Larbi Cherkaoui

Musiche Nitin Sawhney

Auditorium Parco della Musica Roma

fino al 27 febbraio 2012

2012-02-10T12:38:00.000+01:00

danzare aiuta a scoprire la propria unicità

	"E' una missione la nostra.... quella di avvicinare il giovane adolescente alla creatività, ad esprimere al massimo le proprie emozioni attraverso il teatro la musica e il movimento, a capire cos'è e quanto sia importante la disciplina e il rispetto; ad arricchire interiormente e culturalmente. la Danza, intesa come forma d'arte, aiuta ad apprezzare l'educazione e ad essere più responsabili delle proprie azioni."

"E' una missione la nostra.... quella di avvicinare il giovane adolescente alla creatività, ad esprimere al massimo le proprie emozioni attraverso il teatro la musica e il movimento, a capire cos'è e quanto sia importante la disciplina e il rispetto; ad arricchire interiormente e culturalmente. la Danza, intesa come forma d'arte, aiuta ad apprezzare l'educazione e ad essere più responsabili delle proprie azioni."

Come non condividere i principi che hanno spinto e ancora sostengono Giusy Bruno nel portare avanti un discorso artistico cosi' importante e purtroppo cosi' poco seguito ai nostri giorni...!
la danza è un'arte, ma anche una maestra di vita...la disciplina, le regole..la correttezza, elementi essenziali per una crescita responsabile.

disciplina..

correttezza, precisione...armonia del movimento.

rappresentazione...dell'idea e del sogno

chiacchierando su Fb con...Giusy Bruno

Susanna:

<ciao....sono Susanna...ti ringrazio per l'amicizia....sto collaborando ad un blog che si occupa di arte in genere con contaminazioni con il sociale, il diverso, insomma tutte le forme di arte.mi piace molto quello che tu e il tuo movimento pensate della danza.potrei avere l'onore di farti qualche domanda per poter poi scrivere un articolo sul questo blog (movimento contaminarte di Napoli )?grazie infinite>

Giusy:
<certo che si! potrei intanto dare uno sguardo al vostro blog?>

Susanna:<si certo...ti invio le domande intanto...>

Susanna:<ecco le mie domande
1) raccontaci Giusy come danzatrice e poi come insegnante

2) disciplina,passione, eleganza tutte qualità indispensabili? e che altro...?

3)i giovani d'oggi sono "fuori fase" dico io,( i miei figli hanno 24 e 21 anni...)vivono spesso al di la delle regole..un'arte come la danza puo'aiutarli a riallinearsi?

4) purtroppo l'arte che tu pratichi oggi è spesso messa in secondo piano soprattutto, per il mio modesto punto di vista , da trasmissioni televisive che piu' che renderla popolare la relegano a trampolino di lancio e visibilità per emergere in un mondo che elogia l'apparenza...ti senti di dare un consiglio a chi come te pensa all'essenza, alla sostanza alla passione?
grazie infinite!

Giusy:

< :-) che belle domande.....

disciplina passione eleganza qualità se non innate acquisibili con la danza in quanto insegna innanzitutto ad abbassare il livello di ogni eccesso che porta inevitabilmente al difetto! io credo che alla base ci debba essere una grande ed innata passione che permetterà poi al danzatore di non mollare nei momenti di crisi e di sconforto quando arriverà a pensare di non farcela!

i giovani di oggi sono "fuori fase" come dici tu.... io dico "sconnessi" e deviati da finti stereotipi che fanno apparire tutto bello e facile da raggiungere!
Quando io ero bambina guardavo l'unica trasmissione televisiva sulla danza, "Maratona d'estate" curato dalla grande Vittoria Ottolenghi - era limitata la diffusione della danza allora, non c'erano alternative, ma in compenso rappresentava per noi piccoli danzatori un esempio di grande cultura e sapevamo quanto fosse importante rispettare la regola per crescere! la mia era ancora l'epoca in cui gli appassionati studiavano danza, oggi invece tutti danzano ma pochi studiano ! i nostri stereotipi erano i grandi Mostri dellaDanza che profetizzavano la vera essenza di questa arte da amare a 360 gradi, non solo per il fatto che li portava a fare delle rinunce !! ora tutto ciò non avviene più! tutto ruota intorno all'apparire ed essere conosciuti abbastanza per darsi un valore meno artistico e più monetario! aimè l'esempio negativo purtroppo lo da la tv di oggi che vede inoltre un rapporto paritario tra insegnante e allievo .. creando confusione di ruoli !! il giovane di oggi ha imparato che la regola è stata fatta per essere infranta! questo ripeto crea disagio per tutti e tantissima confusione!
questo vuole essere un mio modesto punto di vista generale, come posso anche sostenere che nel contempo esistono giovani che invece nascono con la passione smisurata per questa meravigliosa arte e che sarebbero disposti a rinunciare a tutto pur di perseguire il propio sogno!
io credo che questi 40 anni di vita nel mondo della danza mi abbiano insegnato che non serve lottare con gli altri per emergere e realizzare i propri sogni, ma bensi con se stessi e mettere sempre a dura prova le proprie capacità. anche perchè non c è peggior sconfitta di quella contro se stessi! io personalmente cerco di "comunicare" (LA parola moderna da sostituire ad "Insegnare") con i miei allievi e li spingo a lavorare facendo emergere e migliorando la propria UNICITA', perchè è li che si nasconde la vera essenza e la vera sostanza della nostra bellissima arte.

se ho altro da aggiungere te lo comunico, per ora ho scritto ciò che il cuore mi ha dettato :-)>

Susanna:
<.. e con tutto il cuore ...ti ringrazio!>

d : foto

2012-02-10T11:36:00.000+01:00

foto di : alessia bulgari

Mark Mawson

2012-02-10T08:35:00.009+01:00

(http://becausethelight.blogspot.com/2012/02/mark-mawson-e-i-giochi-dacqua.html
sandro rafanelli

"Ogni immagine ha dei momenti di pace che si evolvono verso il concetto di altri mondi - galassie aliene o sottomarine. Ogni immagine è così il risultato della sottigliezza della forma e del colore, suscitando varie interpretazioni personali, dal sublime al terrificante." Mark Mawson

da : http//becausethelight.blogspot.com

Zeina Abirached

2012-02-10T08:21:00.000+01:00

E' una fumettista libanese ha meno di trent'anni vive tra Beirut e Parigi, in Italia Becco Giallo ha pubblicato "Il gioco delle rondini".

Abirached usa il bianco e nero, molto nero, le sue figure sono stilizzate, nata durante la guerra civile libanese nei suoi fumetti racconta la difficile situazione politica del suo paese.

I gotici dipinti di elena rapa

2012-02-09T18:49:00.000+01:00

Le opere di Elena Rapa (artista nata nel 1978 a Fano ma vive e lavora a Milano) colpiscono per il loro tratto gotico e cupo che rivelano la diversità, il desiderio di tirarsi fuori da certa arte assolutoria, del voler essere a tutti i costi alla moda, di piacere a tutti, ma soprattutto di voler essere consolatoria. L’autrice si ispira a Tim Burton e forse questo ne diminuisce l’originalità ma nulla toglie alla bellezza onirica dei suoi dipinti. Inoltre è attiva anche nel fumetto e nell’illustrazione per l’infanzia.

2012-02-09T09:31:00.002+01:00

DAVIDE FOSCHI
MILANO

" IN PRINCIPIO ERA IL COLORE"

Artista contemporaneo,esprime la sua creatività in vari ambiti artistici

dalla pittura, allapoesia, al teatro, alla fotografia.

grande interprete dell'odierno,del nuovo, con una base solida data dallo sguardo attento

alpassato, interprete della realtà come del mondo interiore, di cio'che dentro di noi va

conosciuto per trasformare e migliorare ilpresente.

opere della luce

opere delle tenebre

......Chiacchierando su Fb con....Davide Foschi...

Susanna:<tracciami a grandi linee latua storia artistica, in quali ambiti applichi la l tua cratività,quali sono i tuoi ispiratori se ce ne sono....e qual è il sentimentoo l'emozione che ti spinge nei vari ambiti artistici in cui ticimenti ho dato una rapida occhiata: pittura e poesia, fotografia..>

Davide:<sono un eclettico, cerco di usare tutti i canali sensoriali atti ad esprimere appieno la mia creatività, dalla pittura alla poesia, dal teatro alle performances e installazioni. In tanti anno ho esposto un po' ovunque, le mie personali sono sempre state anche l'occasione per completare l'aspetto visivo delle opere pittoriche con le altre arti, e questo sia in occasione delle partecipazioni alle fiere d'arte internazionali, che mostre ed eventi vari. Le mie opere visive si basano ad oggi sulla grande ricerca che fece Goethe a proposito dello studio sui colori: da qui sono state create le ormai note "Icone Dinamiche" come Madonna con Bambino, Empireo e Vanità degli Angeli e la serie "Ex Tenebris Lux" , opere nate dalla ricerca sulla nascita del colore attraverso l'incontro tra Luce e Tenebra. Ma sempre in ambito pittorico non posso non ricordare l'opera a se stante, quella nata da un mio stato che oserei definire "misterioso", una sorta di trance: "La Pietà". Quest'opera sarà riproposta dopo l'anteprima di Milano dell'anno scorso a breve in altre zone d'Italia. Alla sua prima apparizione questo dipinto, non fotografabile in alcun modo e da visionare nella piu' completa solitudine e silenzio, ha provocato negli spettatori che pazientemente si son fatti la loro fila fino all'una di notte effetti non definibili con le parole comuni... diciamo che si tratta dell'inizio di una nuova forma d'arte che si sta concretizzando in un movimento vero e proprio e del quale presentero' il manifesto ufficiale nei prossimi mesi.
Nel 2011 , per passare ad un altro versante, ho portato in scena anche il mio spettacolo teatrale ( e che ha avuto un grande successo di critica e di pubblico in tutte le sue rappresentazioni) intitolato " Il Viaggio" dove, nel ruolo di co-regista, co-sceneggiatore, scenografo e attore, ho raccontato con immagini, musica, recitazione e poesia la storia della caduta e della rinascita di un uomo preso a simbolo dell'universale. Questa forma spettacolare l'ho trovata particolarmente interessante e vicina alle mie corde, è un'esperienza che conto di riproporre in futuro.
Sempre nel 2011 ho pubblicato la raccolta dei miei testi poetici "In principio era il Colore", concept-book che sto vendendo in tutto il mondo e fonte continua di richieste di pubblicazione già della nuova raccolta di poesie, progettata in questo 2012. E' una sorta di organico racconto autobiografico che rappresenta i miei primi 40 anni di vita, di gioie e dolori, di amori e di ideali.
Quello che unisce tutte le mie diverse espressioni è proprio il mio modo di pensare, di affrontare la vita, le mie domande piene di inquietudini ma anche le mie convinzioni filosofiche che mi fanno amare Steiner e Nietszche e artistiche che mi riportano a Cezanne ma anche ai futuristi.>

Susanna:< : ne"Il viaggio "parli di un uomo simbolo universale di rinascita:

ti riferisci in particolare a qualcuno ? forse Dio?

deduco tu pensi che l'umanitàstia decadendo...o siamo già game over?

i tuoi primi 40 anni ilbilancio di una vita...ogni quanto tempo secondo te bisognerebbe tirare le "somme"?>

Davide:< sai, ritengo che l'umanità in generale sia in grande come una singola biografia: che abbia percorso una"parabola morale" in caduta libera fino al periodo in cui certi dettami sono arrivati dall'alto... zoroastrismo, buddismo e infine cristianesimo... da lì l'uomo ha iniziato a risalire la china potenziato, capace di produrre in modo autonomo princìpi di vita enormi, come i diritti umani che man mano si sono e saranno sempre piu' riconosciuti universalmente. Le ricadute ci sono sempre in agguato, le grandi dittature del '900 ne sono state un esempio eclatante, ma la parabola è in crescendo, ne sono convinto e i fatti mi supportano, checchè ne dicano i pessimisti...
il bilancio della prima parte della vita credo sia giustamente da fare verso i 40, perchè anche se il famoso culmine della parabola lo si raggiunge prima ( come sapevano gli antichi fra il 30° e il 36° anno... ) occorre un qualche tempo per tirare le somme e vedere le cose con piu' oggettività possibile. A 40 anni, almeno così mi sento io che ci sono in pieno, è possibile farlo.>

Susanna:<: opere della luceopere delle tenebre: ti riferisci all' anima?>

Davide:<si anche, le 2 diverse polarità che ci portiamo dietro. Da questo contrasto, proprio come ha dimostrato Goethe, nascono i colori. L'intero universo funziona così; nel piccolo anche la nostra anima...>

Susanna:< grazie della ...chiacchierata..!>

Il mio pezzettino di cielo- Paola Olzer

2012-02-09T08:06:00.000+01:00

«Sono nata diversa, se si può dire diversa,» ha scritto un giorno nella sua autopresentazione «ma si vede che il Signore si serve di me come di un povero chicco di senape, per incoraggiare gli altri a non avere paura, quando la strada è dura». "si può essere d'aiuto agli altri per ritrovare la luce".

Paola Olzer, una ragazza di Pergine Valsugana colpita fin dalla nascita da una tetra paresi spastica che le impedisce di camminare. Attraverso il libro si comprendere le difficoltà, le sofferenze ma anche la forza di molte persone affette da malattie croniche debilitanti. “Il mio pezzettino di cielo” scritto in collaborazione con Diego Andreatta, per comprendere come la fede possa autare nelle sfide e nei momenti difficili della vita.

LET ME BE YOUR VALENTINE... WANT YOU BE MY VALENTINE?

2012-02-08T14:46:00.000+01:00

La P.O.W. Gallery di Piazza Castello 51, Torino, inaugura la propria stagione espositiva sabato 11 febbraio dalle ore 17:00 con la mostra Let me be your Valentine. Want you be my Valentine? dedicata alla tradizionale festa degli innamorati, a cui i galleristi dedicano un simpatico pensiero omaggio, come ricordo della loro presenza all’evento.

La mostra propone i lavori di Angelo Barile, artista fantasy-pop di cui sono presenti le sue ultime creazioni: molto cool gli irrinunciabili ciondoli in cui sono riproposti i suoi lavori; Luciano Civettini, creatore di soffici atmosfere favolistiche; Ezio Minetti, poetico e creativo con un tocco d’antan; Sam Punzina, dalle tele pastose, allegre e divertenti; Sigis Vinylism, il Signore del vinile, con le sue contraddistintive bocche, lucide e sensuali; Angelo Volpe pittore pop con riferimento alla cultura manga; Xel, artista street e underground; i quali hanno appositamente realizzato opere e idee regalo per celebrare un 14 febbraio d’autore.

Addio ad Antoni Tapies- maestro dell'avanguardia

2012-02-07T20:55:00.005+01:00

Antoni Tapies, l'artista catalano più universale, maestro dell'avanguardia e dell'arte astratta del XX secolo

uno dei piu' grandi nomi dell'arte astratta in Europa e tra i maggiori pittori spagnoli del XX secolo, e' morto lunedì scorso a Barcellona all'eta' di 88 anni dopo una lunga malattia. Padre della corrente artistica spagnola piu' sensibile al generale rinnovamento del gusto detta ''informale internazionale'', Tapies era noto per le sue tele e le sue composizioni straordinarie, realizzate spesso con materiali riciclati, che trasformavano in arte oggetti poveri della vita quotidiana, compresi vecchi abiti (molto discussa la sua opera ''La calza'', con un buco nel tallone). Pittore e scultore, figura chiave dell'''informale internazionale'', nell'ambito di questa corrente Tapies ha svolto il ruolo di tramite tra la cultura surrealista dei suoi inizi, a contatto con Joan Miro' e Pablo Picasso, e le successive esperienze oggettuali, che hanno anticipato le sperimentazioni dell'Arte povera. I suoi dipinti, le sue sculture, i suoi libri d'artista hanno segnato uno spartiacque tra le generazioni storiche dell'arte e le neoavanguardie. Artista autodidatta, tra i fondatori della rivista e del gruppo ''Dau al Set'' (La settima faccia del dado), di ispirazione neo-dadaista, nel 1981 Tapies ha ricevuto la Medaglia per le Belle Arti dal re Juan Carlos.

Un premio e un film per ricordare Nino Gennaro, intellettuale maudit con la voglia di cambiare il mondo

2012-02-07T12:24:00.013+01:00

Il "Sicilia Queer filmfest",nel giugno scorso ha istituito un Premio intitolato a Nino Gennaro (1948-1995) come esempio di intellettuale siciliano eclettico e non allineato, coscienza civile scomoda e poetica. Con il documentario "La fine che non ho fatto", a lui dedicato da Ruben Monterosso e Federico Savonitto prodottto dalla Sede Sicilia del Centro Sperimentale di Cinematografia,si contribuisce con efficacia a riportare la figura di Nino Gennaro all'attenzione di un pubblico più ampio e consapevole.

«Nino Gennaro, poeta, attore, regista e autore teatrale, nasce a Corleone nel 1948 e muore a Palermo nel 1995. Attivista politico e culturale, fonda a Corleone negli anni '70 i primi circoli ricreativi e culturali, unendo studenti e disoccupati per discutere di libri, arte, e politica. Nel 1975 organizza a Corleone la prima festa della donna, e nel 1977 è tra i fondatori del Circolo popolare Placido Rizzotto. La sua omosessualità è fin da subito al centro del suo attivismo politico e della sua produzione intellettuale, e per questo Gennaro è particolarmente osteggiato dall'ambiente ristretto di Corleone e dominato da una cultura provinciale, perbenista e pseudo-mafiosa, non per questo trovando maggiore considerazione nei locali politici di sinistra. Negli anni '80 si trasferisce a Palermo e comincia a partecipare attivamente alle occupazioni della facoltà di Lettere, scrivendo le sue poesie su grandi tazebao che appende alle pareti della facoltà. Fonda la compagnia teatrale "Teatro Madre", che si avvale di attori non professionisti e gira per i quartieri popolari della città, mentre i suoi scritti cominciano a circolare più diffusamente, pubblicati da editori come Flaccovio o in maniera più clandestina nei circoli underground non soltanto palermitani. Nel 1986 è fra i fondatori del COCIPA (Comitato Cittadino di Informazione e Partecipazione) e fra gli ispiratori del Centro Sociale San Saverio, all’Albergheria, uno dei più deprivati quartieri del centro storico di Palermo, e collabora attivamente alla redazione di "Città Nuove", il primo giornale antimafia di Corleone. Nel 1987 si ammala di AIDS, ma non viene meno al suo impegno intellettuale, continuando a scrivere testi teatrali, canzoni e opere varie. Una divina di Palermo, La via del Sexo, O si è felici o si è complici sono alcuni tra i suoi spettacoli più noti, e continuano ad essere interpretati in tutta Italia grazie all'impegno della compagnia di Massimo Verdastro. I suoi scritti sono pubblicati dalle Edizioni della Battaglia e da Editoria & Spettacolo. Recentemente, il comune di Corleone ha deciso di non intitolare un centro sociale a Nino Gennaro "perché gay e drogato": e drogato di certo non era». (dal Catalogo del Sicilia Queer filmfest 2011, pag. 60)

“La fine che non ho fatto”

di Ruben Monterosso e Federico Savonitto

Martedì 7 Febbraio, ore 20.30

Centro Sperimentale di Cinematografia – Cantieri Culturali alla Zisa pad. n. 6

Via Paolo Gili 4 – Palermo

Introduce il film Alessandro Rais

Davide Cerullo - Ali bruciate

2012-02-07T12:10:00.003+01:00

Foto di Davide Cerullo, un ex ragazzino di Scampia finito nelle mani della camorra che ha deciso di voltare pagina. I bambini soldato che la camorra utilizza per i propri affari sono un piccolo esercito, invisibile, ma molto attivo.

Davide Cerullo e Alessandro Pronzato “Ali bruciate. I bambini di Scampia”, Edizioni Paoline.

D: foto

2012-02-07T11:35:00.001+01:00

2012-02-07T11:11:00.000+01:00

AUDITORIUM CONCILIAZIONE ROMA

IVANO FOSSATI

DECADANCING TOUR

ROMA 9/ 14/ 15 MARZO 2012

“I ragazzi guardano oltre le frontiere con speranza?

Non farei niente per trattenerli”

“In questo clima da tardo impero se la lingua che parliamo è in decadenza, se politica e morale sono già decadute, il lavoro manca e la cultura - la musica in particolare - ricopia se stessa fino allo sfinimento, i ragazzi guardano oltre le frontiere con speranza, e io non farei niente per trattenerli”. Sono le parole di Ivano Fossati

cantautore sempre legato alla realtà e al divenire, analizza un aspetto ,forse il piu' significativo della attuale società: la disoccupazione giovanile. La presa di coscenza che un abbraccio reale non teorico all' Europa deve avvenire con la consapevolezza dell'unità, dell'appartenere ad una cultura universale e, cittadini dell'Europa cercare realizzazione nella loro terra.

Non fuga di talenti altrove, ma crescita e contributo nel paese comune.

Pull me up- Would you be my lord and saviour?

2012-02-07T08:33:00.010+01:00

Wax Mannequin (about 1900) and other objects: Collection of Werkbundarchiv - Museum der Dinge, Berlin

Lulu, femme fatale creata dallo scrittore tedesco Frank Wedekind ai primi del Novecento e che negli anni avrebbe ispirato il film Die Büchse der Pandora del 1928 , un musical di Broadway (del 2006) e una nuova opera teatrale di Robert Wilson.

Lulu è una figura tragica, una ballerina sacrificata sull’altare delle passioni e delle nefandezze umane, fino a cadere nelle mani di una sorta di Jack lo squartatore che la fa a pezzi.

Per Lulu è arrivato il momento di scendere nel campo della musica rock. Un argomento letterario, per Reed con cui andare a nozze: d’altro canto proprio lui, ai tempi antichi dei Velvet Underground, aveva scritto un brano che si intitolava proprio Femme fatale, e anche un disco, il capolavoro “Berlin” ambientato in una Berlino decadente e omicida.  

I conclusivi otto minuti del lunghissimo brano rimangono solo gli archi e violoncelli di una bellezza spropositata, che accompagnano l’ascoltatore verso un abbraccio consolatorio. C’è redenzione, c’è salvezza alla fine dell’incubo?

“Pull me up/ Would you be my lord and saviour?”, dice Lou Reed.

2012-02-06T12:56:00.000+01:00

SALVADOR DALI'

ROMA

COMPLESSO DEL VITTORIANO

DAL 10 MARZO AL 30 GIUGNO 2012

Roma dedica una mostra al grande genio spagnolo, che fu pittore, scultore, scrittore, cineasta e designer.

la sua poliedricità di artista lo ha portato a esprimere il suo grande talento in vari ambiti: cinema, fotografia e scultura.

Ma è soprattutto per le sue opere surrealiste che Dali' è ricordato, poichè attraverso esse il suo amore per l'eccessivo, per il fuori dal comune si esalta e si esprime.

Uomo di fervida immaginazione, eccentrico e al di la' delle righe nei comportamenti, tanto da attirare forse piu' per questi atteggiamenti l'attenzione, tanto da essere criticato fortemente perchè spesso si serviva dei suoi strani modi di essere per attrarre gli sguardi del pubblico.

Orologi molli...il tempo che scorre ineluttabile ,sempre costante...si scioglie a scandire gli eventi della vita umana: niente di certo...il tempo scorre in relazione alle emozioni lento nel dolore e veloce nella gioia

e poi ancora l' adesione alla pittura surrealista a celebrare l'esternazione dell'inconscio e delle sue ossessioni piu' cupe, come l'impotenza o la castrazione
e
l'uso costante dei simboli come l'orologio simbolo del tempo che Dali' fa liquefare sotto il calore dei sentimenti ed emozioni
e gli elefanti dalle lunghe, esili zampe, irreali,
a rappresentare la distorsione dello spazio,
l'uovo rappresenta l'utero quindi il periodo prenatale, la vita, l'amore
e ancora le formiche a rappresentare la morte
e le chiocciole, la mente umana
e le locuste, la paura.

modigliani tra montmartre e montparnasse

2012-02-05T21:24:00.000+01:00

I colori dell'integrazione

2012-02-05T11:34:00.000+01:00

La mostra fotografica itinerante ''I colori dell'integrazione'' per tutto il mese di febbraio sara' ospitata nella sede della Fondazione Ollignan di Quart. ''la mostra multimediale vuole rappresentare il mondo della disabilita' secondo una visione moderna e completamente diversa dal passato''.  

 ''Negli ultimi quarant'anni - e' spiegato in una nota - la disabilita' ha vissuto profonde trasformazioni attraverso importanti conquiste culturali, ed e' proprio dagli anni '70 che prende corpo una cosciente azione di rinnovamento dell'agire sociale e politico al fine di contrastare l'emarginazione delle persone con handicap. I processi inizialmente limitati al semplice inserimento dei soggetti svantaggiati nei diversi ambiti della vita comunitaria, dunque, si sono evoluti sempre di piu' in processi di integrazione. L'ambizioso tentativo, sebbene sia da considerarsi ancora significativamente incompiuto, mira a considerare e promuovere la diversita' come inestimabile risorsa e non piu' come mera qualita' connotata negativamente. L'integrazione va quindi a configurarsi come quel portale imprescindibile per l'affermazione del principio di pari opportunita' nella societa' ".

  Lo scopo della mostra e' quindi di ''valorizzare l'immagine sociale della persona con disabilita' e la sensibilizzazione della collettivita' locale per mezzo di interventi orientati all'informazione''. ''Si intende quindi contribuire attivamente   - si conclude la nota - al miglioramento della qualita' socio-relazionale dei soggetti con disabilita' presenti sul territorio valdostano, quali protagonisti attivi della vita lavorativa, dando loro pari opportunita'''.

Mano nella mano con l'Infinito

2012-02-05T10:48:00.005+01:00

Georgia O’Keeffe: Abstraction

Mano nella mano con l'Infinito  

"Marco ci presenta il resoconto della giornata- tipo di Gesù, ritmata sulle tre occupazioni preferite di Gesù: immergersi nella folla e guarire, far stare bene le persone; immergersi nella sorgente segreta della forza, la preghiera; da lì risalire intriso di Dio e annunciarlo. Tutto parte dal dolore del mondo. E Gesù tocca, parla, prende le mani. Il miracolo è, nella sua bellezza giovane, l'inizio della buona notizia, l'annuncio che è possibile vivere meglio, trovare vita in pienezza, vivere una vita bella, buona, gioiosa.  La suocera di Simone era a letto con la febbre, e subito gli parlarono di lei. Miracolo così povero di contorno e di pretese, così poco vistoso, dove Gesù neppure parla. Contano i gesti. Non cerchiamo di fronte al dolore innocente riposte che non ci sono, ma cerchiamo i gesti di Gesù.  Lui ascolta, si avvicina, si accosta, e prende per mano. Mano nella mano, come forza trasmessa a chi è stanco, come padre o madre a dare fiducia al figlio bambino, come un desiderio di affetto. E la rialza. È il verbo della risurrezione. Gesù alza, eleva, fa sorgere la donna, la riconsegna alla sua andatura eretta, alla fierezza del fare, del prendersi cura.  La donna si alzò e si mise a servire. Il Signore ti ha preso per mano, anche tu fa lo stesso, prendi per mano qualcuno. Quante cose contiene una mano. Un gesto così può sollevare una vita!  Quando era ancora buio, uscì in un luogo segreto e là pregava.  Un giorno e una sera per pensare all'uomo, una notte e un'alba per pensare a Dio. Ci sono nella vita sorgenti segrete, da frequentare, perché io vivo delle mie sorgenti. E la prima di esse è Dio. Gesù assediato dal dolore, in un crescendo turbinoso (la sera la porta di Cafarnao scoppia di folla e di dolore e poi di vita ritrovata) sa inventare spazi. Ci insegna a inventare quegli spazi segreti che danno salute all'anima, spazi di preghiera, dove niente sia più importante di Dio, dove dirgli: Sto davanti a te; per un tempo che so breve non voglio mettere niente prima di te; niente per questi pochi minuti viene prima di te. Ed è la nostra dichiarazione d'amore. Infine il terzo momento: Maestro, che fai qui? Tutti ti cercano! E lui: Andiamocene altrove. Si sottrae, non cerca il bagno di folla. Cerca altri villaggi dove essere datore di vita, cerca le frontiere del male per farle arretrare, cerca altri uomini per farli star bene.  Andiamo altrove a sollevare altre vite, a stringere altre mani. Perché di questo Lui ha bisogno, di stringere forte la mia mano, non di ricevere onori.  Uomo e Dio, l'Infinito e il mio nulla così: mano nella mano. E aggrapparmi forte: è questa l'icona mite e possente della buona novella."

padre Ermes Ronchi V Domenica del Tempo Ordinario (Anno B) (05/02/2012) Vangelo: Mc 1,29-39

LUIGI GHIRRI- Project Prints, un’avventura del pensiero e dello sguardo

2012-02-05T08:15:00.000+01:00

In occasione del ventennale della scomparsa, il Castello di Rivoli Museo d’Arte contemporanea, dedica al grande fotografo italiano Luigi Ghirri un convegno e una mostra, si parlerà della sua opera e del suo metodo compositivo insieme ad ospiti come Marco Belpoliti, Mario Cresci, Elena Re e Andrea Bellini. L’iniziativa è la seconda tappa del progetto Le scatole viventi, inaugurato con un omaggio a Luigi Ontani.

Nanografie di semplice vita quotidiana per paesaggi interiori. La mostra «Luigi Ghirri - Project Prints, un’avventura del pensiero e dello sguardo» sarà aperta fino all’11 marzo 2012.

Per 12 anni Ghirri ha operato dell’ambito dell’arte Concettuale, esperienza che ha influenzato il suo modo di lavorare. Quindi la mostra non è soltanto una sequenza di scatti ma l’esposizione della sua esperienza anche attraverso gli appunti, gli oggetti e le maquettes che hanno accompagnato l’evoluzione del suo progetto.  Fu tra i primi, per esempio, a sottolineare l’importanza, negli Anni Ottanta, del senso del luogo da indagare, anzi, da guardare, oltre le apparenze fino a incorporarlo e a identificarvisi: «Il racconto di Borges che dipinge paesaggi e oggetti per poi scoprire, alla fine della vita, che aveva composto un mosaico del suo volto, può essere accostato al mio progetto-opera fotografica».

Sulle pareti 160 foto ottenute con il semplice contatto della pellicola sulla carta da stampa: piccole quindi, al punto da sembrare nanografie rispetto ai pannelli ben più grandi di altri autori esposti nella Manica Lunga.  Un accostamento voluto per spiegare il significato di project prints, la realtà in miniatura con cui l’autore creava le scenografie del proprio mondo da guardare come preziose carte da gioco. Ma anche per sottolineare un passo della storia della fotografia di cui oggi si ripercorrono, con altra tecnologia, le orme.

Hans Christian Andersen -La goccia d'acqua

2012-02-04T07:51:00.001+01:00

Hans Christian Andersen in una favola su cui riflettere

La goccia d'acqua

"Conosci certamente una lente di ingrandimento, una specie di monocolo che rende tutto cento volte più grande di quello che è in realtà? Se la si prende e la si tiene davanti a una goccia d'acqua dello stagno, allora si vedono più di mille strani animaletti, che di solito non si vedono mai nell'acqua, ma sono lì e esistono davvero. Sembrano quasi un piatto pieno di gamberetti che saltano uno sull'altro e sono così feroci che si strappano a vicenda braccia, gambe, parti di dietro e di fianco, e ciò nonostante sono contenti e divertiti, anche se a modo loro.

C'era una volta un vecchio che tutti chiamavano Krible-Krable, perché questo era il suo nome. Voleva sempre ottenere il meglio da ogni cosa e, quando non era possibile, ricorreva alla magia.

Un giorno stava guardando attraverso la sua lente di ingrandimento una goccia d'acqua che era stata presa da una pozzanghera del fosso. Che formicolio si vedeva! Migliaia di animaletti saltavano, si strappavano e si divoravano a vicenda.

«Ma questo è orrendo!» esclamò il vecchio Krible-Krable «non è possibile ottenere che vivano tranquillamente e in pace, in modo che ognuno si preoccupi degli affari propri?» Meditò a lungo, ma non riuscì a trovare una soluzione, e allora ricorse alla magia. «Li colorerò» disse «così si potranno vedere meglio!» e versò nella goccia d'acqua qualcosa che assomigliava a una goccia di vino rosso, ma era sangue di strega, della migliore qualità, quello da due soldi. Così tutti quegli animaletti strani divennero rosa, sembrava una città di uomini selvaggi nudi.

«Che cos'hai lì?» gli chiese un altro vecchio mago, che non aveva nessun nome, e proprio per questo era così distinto.

«Se indovini» rispose Krible-Krable «te lo regalo, ma non è una cosa facile da indovinare, se non la si sa prima.»

Il mago senza nome guardò attraverso la lente di ingrandimento. Sembrava proprio una intera città, in cui gli uomini giravano nudi, e questo era ripugnante, ma era ancora più ripugnante vedere come si spingevano e si urtavano a vicenda come si pizzicavano, si mordevano e si facevano male. Chi stava sotto di tutti doveva arrivare sopra e chi stava sopra doveva passare sotto! "Guarda, guarda! le sue gambe sono più lunghe delle mie! Paf! via! Ce n'è uno che ha un piccolo bernoccolo dietro all'orecchio, un piccolo bernoccolo innocente, ma gli fa male e quindi deve soffrire ancora di più!" e lo fecero a pezzi lo tirarono e lo divorarono a causa di quel piccolo bernoccolo. C'era un tale fermo con una signorina, e entrambi desideravano solo un po' di pace e di tranquillità, ma la signorina fu trascinata via, dilaniata e divorata.

«È proprio divertente!» esclamò il mago.

«Che cosa credi che sia?» gli chiese Krible-Krable «riesci a scoprirlo?»

«Si vede bene» rispose l'altro «è senza dubbio Copenaghen o una qualunque altra grande città; si assomigliano tutte! È certo una grande città.»

«No, è l'acqua del fosso» disse Krible-Krable."

FINE

Escher, Una goccia di rugiada

Ali di angelo a Istanbul

2012-02-03T08:24:00.006+01:00

Fotografia di Boryana Katsarova

Questa foto colpisce per il contrasto tra elementi. Le ali di angelo realizzate con le impronte bianche delle mani e quell'uomo, i cavi telefonici, il muro grezzo e la parabola satellitare un po' sporca . Sono i contrasti a conferire una certa intensità a questo scatto. La maggior parte di noi avrebbe escluso dalla foto quei cavi elettrici un po' sgradevoli, così come l'antenna parabolica. Ma sono esattamente quei dettagli “sporchi” a dare una bellezza eterea alle impronte bianche delle mani.

Verità & Finzione

2012-02-03T07:52:00.011+01:00

Ironia e giocosità, leggerezza e antiretorica, sono le strategie visive usate da Silvio Canini, Stefano Parrini e Giovanni Presutti, per riflettere su alcuni aspetti della realtà contemporanea che ci toccano da vicino. Con sguardi divertiti, ma al contempo critici e profondi, i tre autori in mostra mettono in scena i nostri sogni, puntano il dito sulle nostre dipendenze quotidiane o sul degrado progressivo del territorio naturale.

Abbandonata la seriosità della fotografia di reportage e di documentazione, questi autori usano uno stile visivo vitale e innovativo. A volte ricche di rimandi metaforici, a volte scanzonate, o anche tragicomiche, le loro immagini imitano il linguaggio luccicante e colorato della pubblicità senza farsi sopraffare (Giovanni Presutti); rileggono in modo originale le opere della Land Art (Stefano Parrini); riescono a miscelare allegramente realtà e finzione costringendoci a interrogarci sulla veridicità di quanto viene mostrato (Silvio Canini e ancora Stefano Parrini).

Silvio Canini, con la serie Fly 380-Air Bou, mette in scena il desiderio di viaggiare, ci mostra aerei che sorvolano paesaggi incantati, che atterrano verso il sole al tramonto o su piste illuminate da mille fari nella notte. Ma quel che ci mostra è tutto vero o non sarà anche il frutto di una fantasia che non ha dimenticato i sogni a occhi aperti dell'infanzia?

Giovanni Presutti, dietro l'apparenza allegra e paradossale delle sue opere si cela un'amara riflessione sulle nostre dipendenze (dal fumo a internet, dal collezionismo alla televisione accesa tutto il giorno). Intitolata appunto Dependency, questa serie di immagini mette in scena le tante manie e fissazioni cui ci leghiamo compulsivamente, per sopravvivere in un mondo sempre più difficile e pronto a colpirci nei nostri punti deboli.

Stefano Parrini usa un comune carrello della spesa inserito in vari ambienti naturali, per far riflettere su come il consumismo si sia ormai esteso dal mondo delle merci allo stesso paesaggio in cui viviamo.

Contemporary world

Silvio Canini - Stefano Parrini - Giovanni Presutti

Galleria MAGENTA Vimercate (MI)

fino al 16 Marzo 2012

info: www.dima-design.it

Io non sono normale: AMO GLI ANIMALI

2012-02-02T21:19:00.003+01:00

Un giorno la mia ex collega, la signora Pistis, morì.

San Pietro venne a prenderla e la scortò in una sorta di sala d’aspetto che sta tra il Paradiso e il Purgatorio.

La signora Pistis non era una persona cattiva, perciò l’Inferno per lei era fuori discussione.

Però era puntigliosa e poco sensibile alla sofferenza degli altri.

“Aspetta qui” le disse Pietro “vado ad accertarmi sulla tua destinazione. L’Inferno è stato escluso, ma tra Paradiso e Purgatorio c’è ancora qualche indecisione. Be’… vado a vedere…” e così dicendo sparì (come solo i santi sanno fare).

La signora Pistis rimase sola.

La sala d’attesa era vuota.

Si sedette su una sedia, lisciandosi il vestito (che non aveva più) e aspettò pazientemente che Pietro ritornasse.

Dopo un tempo indefinibile e senza che nulla si fosse mosso o avesse fatto rumore… un grosso cane comparve nella saletta.

Era vecchio, sporco, accaldato e pieno di pulci e di zecche. Aveva visibilmente fame e sete.

La signora Pistis scattò in piedi.

“Pietro!” urlò "Pietro!! Questo disgustoso animale non può entrare qui! I cani non possono entrare. Portatelo via. Mandatelo giù all’Inferno! Gli animali non sono ammessi in Paradiso e nemmeno in Purgatorio!”.

Ma Pietro non apparve e il cane la guardò con i suoi occhi buoni e tristi.

Si grattò la schiena con una grossa zampa sporca di fango. E poi parlò.

Si.

Parlò.

Con una voce dolce e profonda.

“Io sono Dio.” disse “Colui che tanto hai pregato durante la tua vita.

Tutte le volte che hai avuto paura, quando non c’era nessuno e ti sentivi abbandonata e sola, nei momenti difficili e davanti alle prove che non riuscivi a superare, ho cercato di avvicinarmi a te.

Oggi sono venuto a prenderti per portarti in Paradiso…” ma non finì la frase perché la signora Pistis si era già allontanata a grandi passi.

“ Un cane pieno di zecche e che, in aggiunta, parla da solo.” borbottava tra sé “Che schifo. Deve, trattarsi senz’altro di una maledizione!” e intanto camminava rapidamente in cerca dell'addetto al canile municipale perchè finalmente la liberasse da quella presenza, per lei così sgradevole.

Dopo un po’ anche un animalista terminò la sua vita.

E anche lui fu accolto da San Pietro nella saletta d’attesa che sta tra il Purgatorio e il Paradiso.

“Aspetta qui” gli disse Pietro “ vado a vedere dove sei stato assegnato.” e anche questa volta sparì all'istante.

Poco dopo, come al solito, apparve il cane, sporco e pieno di pulci e zecche, ma, in quello stesso momento, rientrò Pietro.

“Paradiso!” esclamò sorridendo “Seguimi.”

“Non posso.” disse serio l’animalista “Non vedi che c’è un cane?! Non vado in nessun posto se prima non lo sistemo. Devo lavarlo, accudirlo, sterilizzarlo, trovare un veterinario e qualcuno che si prenda cura di lui.

Mi dispiace, dì a Dio che non ho tempo adesso.” e così dicendo prese il cane e cominciò a levargli le zecche… ma, in quella, il cane si rivelò!

“Io sono Dio” disse sorridendo e assumendo la sua forma abituale di cane pulito e fedele “L’Amore è tutto ciò che possiedo.” continuò aprendo la porta del Paradiso “Accomodati!”

D: foto

2012-02-02T15:36:00.003+01:00

"Molti riferimenti mi verrebbero alla mente, ma appartengono decisamente alle libere associazioni dell’inconscio. Una curiosità: l’altro giorno rileggevo Marcovaldo di Calvino e molte analogie mi tornavano alla mente riguardanti il rapporto fra natura e paesaggio costruito. Mi ha particolarmente colpito il brano in cui il protagonista si reca a dormire fuori, per trovare la sospirata quiete, ma non riesce ad ottenere, per vari e rocamboleschi motivi, il meritato riposo. Per me è sempre stato importantissimo, per tornare alla mia concezione del “messaggio fotografico”, lo studio della prospettiva rinascimentale. Non è certo una casualità che la mia formazione culturale ed il mio amore per l’arte debbano molto a figure come Brunelleschi, Paolo Uccello e Piero della Francesca."

Elisabetta Goggi ( fotografa genovese, "Bellezza imprigionata" Liberodiscrivere edizioni, 2009)

Addio a Wislawa Szymborska

2012-02-02T14:19:00.007+01:00

La più grande poetessa del Novecento insignita nel 1996 del Premio Nobel,è morta a Cracovia. Aveva 88 anni.

Le sue parole, come quelle dei grandi poeti, sono un prisma di luce, un poliedro che attraversato da un raggio è capace di fare emergere tutte le componenti spettrali della luce e farci provare la meraviglia. La meraviglia che prova un bimbo.

Un incontro inatteso

Siamo molto cortesi l'uno con l'altro,

diciamo che è bello incontrarsi dopo anni.

Le nostre tigri bevono latte.

I nostri sparvieri vanno a piedi.

I nostri squali affogano nell'acqua.

I nostri lupi sbadigliano alla gabbia aperta.

Le nostre vipere si sono scrollate di dosso i lampi,

le scimmie gli slanci, i pavoni le penne.

I pipistrelli già da tanto sono volati via dai nostri capelli.

Ci fermiamo a metà della frase,

senza scampo sorridenti.

La nostra gente

non sa parlarsi.

Enzo Pituello "un incontro inatteso"

Souza Pinto

2012-02-02T10:31:00.008+01:00

Souza Pinto artista plastico brasiliano, è riconosciuto in tutta la Francia e a poco a poco sta conquistando anche il pubblico brasiliano . A prima vista, le sue immagini hanno l'aspetto di un mondo fantastico, ma l'artista spiega : "Rappresentano situazioni della nostra routine quotidiana."

A volte si vede un uomo con la sua amante, a volte si vede un politico corrotto o un artista che ha bisogno di lavorare ... Egli trasforma situazioni quotidiane con il surrealismo in immagini fantastiche e divertenti.

Kim Minjung- Il Segno della luce

2012-02-02T10:19:00.008+01:00

Kim Minjung (Gwangju, 1962) è un’artista ponte tra la cultura orientale e quella occidentale, che ben conosce essendo giunta in Italia dalla Corea nel 1991 per seguire i corsi dell’Accademia di Brera a Milano, città dove tutt’oggi ha conservato uno studio e risiede per lunghi periodi.

La mostra “Kim Minjung. Il Segno della luce” a cura di Gianluca Ranzi, dal 25 gennaio al 4 marzo 2012 al MACRO Testaccio presenta un grande lavoro ideato e realizzato appositamente per questa occasione dall’artista.

È un’opera di circa trenta metri che appartiene al ciclo Mountains, una serie di lavori che Kim Minjung ha cominciato a realizzare dalla fine del 1997 e in cui la luce gioca un ruolo fondamentale creando un gioco impalpabile di trapassi atmosferici dal grigio perla al nero assoluto.

info : www.viadellaseta.roma.it

Senza veli -Manuel Guffanti

2012-02-02T08:28:00.007+01:00

Sabato 4 Febbraio alle ore 18.00, inaugura a Roma presso la Home Gallery wo-ma’n, la mostra dedicata al fotografo Manuel Guffanti e al suo lavoroSENZA VELI a cura di Auronda Scalera.

La mostra Senza Veli è il primo risultato del progetto Big One, nato all’interno di Officine Fotografiche che ne è attualmente sostenitrice.

Wo-ma’n è la prima home – gallery dedicata alla fotografia, un progetto nato a Roma nel 2010 da un’idea di Auronda Scalera e dalla passione dei fotografi Marta Rossato e Wolfango De Spirito, che hanno deciso assieme di fondere il concetto di casa con quello di galleria. Dal living alla cucina, dalla doccia alle cabine armadio, tutti gli ambienti sono messi a disposizione per essere luoghi espositivi e, di volta in volta, ogni autore sarà chiamato a confrontarsi con questa nuova idea di esposizione. Ogni mostra diventa così un evento informale, simile ad una cena tra amici. L’auspicio è che questo nuovo modo di fruire l’arte e la fotografia si dilati velocemente per creare una rete di “case fotografiche” dove poter dare spazio a nuove idee e modi per godersi la fotografia.

Senza veli, del fotografo Manuel Guffanti, rappresenta una serie di ritratti di grande formato in bianco e nero, realizzati con l’unica Big One esistente costruita artigianalmente dall’autore.

La Big One è un banco ottico di formato extra large che consente scatti fino alla dimensione massima di 70×70. L’autore la utilizza impressionando direttamente l’immagine su carta fotografica baritata positiva, in bianco e nero, evitando il passaggio classico negativo-stampa, producendo quindi un’immagine in copia unica.

D : foto

2012-02-01T15:59:00.000+01:00

2012-01-31T10:27:00.000+01:00

INFORMALE
LUOGO D'INCONTRO PER LA DIVULGAZIONE DELLA CULTURA D'IMPRESA
Roma Via Dei Cerchi, 75

Il progetto di "Informale" nasce da un'idea del Dott. Gabriele Valli e dal suo interesse alla promozione della cultura d'impresa e i suoi valori.L'attività di Informale inizia dalla collaborazione con Federservizi nell'organizzazione di eventi di teatro d'impresa.Dal 2009 l'attenzione viene spostata sulle iniziative volte alla contaminazione dei valori dell'impresa con l'arte e l'intercultura attraverso vari format.
La formazione viene cosi' svolta utilizzando sia le forme tradizionali che quelle innovative, come il teatro d'impresa, impresa in scena, lezioni-spettacolo e improvvisazioni teatrali.
Tra i progetti realizzati, spicca la

Parabola dei Talenti
durante gli incontri, i partecipanti sono istigati ad esprimere il proprio pensiero sull'argomento trattato attraverso la forma d'arte preferita, che sia la scrittura di brevi racconti, short movies, pittura, poesia o semplicemente un'esposizione orale,e la danza...

E poi il progetto Squame

VIAGGIO ATTRAVERSO LE DIVERSITA'

" Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuove terre, ma nell'avere nuovi occhi" ( Proust)

Attraverso popoli e culture differenti arriviamo alla consapevolezza che la differenza è solo una parte del tutto, che siamo pezzi di un mosaico che una volta completato assume un senso, il senso vero dell'esistenza.abbattere le barriere politiche, religiose, di razza o di sesso sarà semplice e naturale....

"E se un giorno vi troverete a camminare per le strade di un villaggio africano, vi potra' capitare di essere rincorsi da un gruppo di bambini che vi grideranno:<Ferenci!Ferenci!> che vuol dire quello di fuori, il diverso, l'estraneo, l'altro. Per loro gli altri siete voi. Per questo siamo tutti nella medesima barca. Tutti noi abitanti del nostro pianeta, siamo altri rispetto ad altri: noi per loro, loro per noi"
( Richard Kapuscinski)

Il progetto Informale è un ritorno all'espressione, al sentire e al creare sospinti dall'emozione...Roma crea e l'impresa non sempre è ancorata al profitto.. Sentire per poter esprimere e dare il meglio...
attravero l'ascolto di musica si da libero sfogo al se' e ci si lascia trascinare dal cuore.
Grazie Gabriele.....

Dino Buzzati - quarant'anni dalla scomparsa

2012-01-30T15:30:00.007+01:00

Il 28 gennaio del 1972 Dino Buzzati moriva a Milano e si spegneva una grande "voce" del giornalismo e della letteratura italiana del ‘900. L’autore de “Il deserto dei Tartari” è oggi "protagonista" di una giornata-omaggio organizzata dalle case editrici Feltrinelli e Mondadori in diverse città italiane.

Si celebra anche a Milano, divenuta terreno ideale dell’arte enigmatica di Buzzati come città di adozione e luogo di lavoro (al 'Corriere della Sera'), per il quale Buzzati scrisse dal 1928 fino a poco prima della sua scomparsa.

"Ma dipingere e scrivere per me sono in fondo la stessa cosa. Che dipinga o che scriva, io perseguo il medesimo scopo, che è quello di raccontare delle storie."

“Il fatto è questo: io mi trovo vittima di un crudele equivoco. Sono un pittore il quale per hobby, durante un periodo purtroppo alquanto prolungato, ha fatto anche lo scrittore e il giornalista. Il mondo invece crede che sia viceversa e le mie pitture non le « può » prendere sul serio. (...) Intendiamoci bene. Non intendo fare la vittima. Non voglio recitare la sgradevole parte di incompreso. So stare al gioco. E riconosco pure che il mondo cane alla fine non commette ingiustizie. E so benissimo che il mio gigantesco talento di pittore avrà un giorno il suo riconoscimento. Al Louvre, alla National Gallery, al Museum of Modern Art, al Modern Kunst Institut, a Valle Giulia, state pure tranquilli, c'è già un posto per me. Ma, per ottenere questo, bisogna che io prima defunga. Mi rendo conto della situazione. E mi rassegno.”

Un insieme di incontri che rilegge dunque soprattutto l’eredità visiva, oltre che letteraria, di Buzzati; un viaggio in una produzione artistica ancora ricca di messaggi da riscoprire, con la sua ricerca continua della “storia” narrativa (con i suoi risvolti “fumettistici”) all’interno della grande 'storia' dominata dall’angoscia esistenziale.

http://www.milanoweb.com

Tutte le anime della fotografia

2012-01-30T14:34:00.004+01:00

Una collettiva da Lachapelle alla Skoglund

Il tema è proprio la poliedricità di questa forma artistica che è strumento d’indagine e meditazione attraverso la rappresentazione di soggetti tra loro differenti e grazie all’uso di tecniche più disparate. L’esibizione curata da Flaminio Gualdoni parte dal piano pop sino ad arrivare a quello postavanguardistico contemporaneo. Una mostra dal largo respiro, dunque, che esplora il fittissimo mondo delle pratiche fotografiche.

Presente in mostra la stravagante artefazione di David Lachapelle, l’erotismo accattivante di Nobuyoshi Araki, l’infantilismo inquietante di Loretta Lux, le strane composizioni di Stefano Arienti, l’umanità digitale di Matteo Basilé, le performance visive di Vanessa Beecroft, le logiche composizioni di Maurizio Galimberti, le solitudini e la drammaticità favolosa di Hiroshi, le immagini surreali di Luigi Ontani. E ancora Andy Warhol, Mattew Barney, Bernd e Hilla, Monica Bonvicini, Gregory Crewdson, Sante D’Orazio, Robert Gligorov, Nan Goldin, Andreas Gursky, Candida Höfer,Kim Joon, Huang Kehua, Seydou Keïta, Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Tracey Moffatt, Yasumasa Morimura, Vik Muniz, Shirin Neshat,Helmut Newton, Steven Parrino, Andreas Perlick, Paola Pivi, Arnulf, Rainer, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Sebastião Salgado, Jan Saudek, Andres, Serrano, Cindy Sherman, Sandy Skoglund, Jemima Stehli, Thomas Struth, Sugimoto, Wolfgang Tillmans, Grazia Toderi, Giovanna Torresin, Paolo Vegas, Massimo Vitali.

Fino al 19 febbraio Galleria M&D arte, Gorgonzola (Milano)

Addio a Ilario Fioravanti

2012-01-30T14:16:00.007+01:00

"Ilario Fioravanti, l’eclettico artista, pittore, scultore, architetto cesenate, si è spento domenica. Nato a Cesena il 25 settembre 1922, ha vissuto per l’arte, dedicandosi, anche contro il volere della famiglia, alla pittura e alla scultura. Di professione architetto, non ha mai abbandonato la Romagna, nonostante molte fossero le richieste in giro per l’Italia: il portale del Duomo di Cesena, il monastero delle monache benedettine, gli edifici pubblici, come la Scuola materna di Gualdo, le statue, le molte opere di grafica, rimangono a testimoniare un’operosità incessante.

La sua fede, incentrata sul dialogo fra l’uomo e Dio, dava alle sue opere uno spessore spirituale tale da affascinare i critici: negli anni Novanta il poeta Giovanni Testori dedicò un volume alle opere di Fioravanti, seguito, all’inizio del XXI secolo, da Vittorio Sgarbi, che divulgò in Italia e all’estero il nome dell’artista cesenate.

Negli ultimi anni la sua casa-studio a Sorrivoli, ribattezzata “Casa dell’Upupa”, è diventata, grazie alla collaborazione di Flaminio e Massimo Balestra, un importante luogo di ritrovi culturali: anche se era sempre più raro che Fioravanti presenziasse a questi incontri, ogni volta che c’era i partecipanti rimanevano colpiti dalla vitalità intellettuale e culturale di un artista che, benché giunto a un’età venerabile, era sempre pronto a mettersi in discussione, senza mai salire sul piedistallo."

Paolo Turroni

Zingari in posa

2012-01-29T10:49:00.000+01:00

Voglio consigliarvi uno stupendo libro fotografico: Zingari di di Josef Koudelka (Contrasto 2011) contiene 109 fotografie scattate nell’ex Cecoslovacchia (Boemia, Moravia e Slovacchia), in Romania, in Ungheria, in Francia e in Spagna tra il 1962 e il 1971. Il volume è la versione aggiornata di Cikáni (zingari in ceco), un libro che non fu mai pubblicato perché Koudelka lasciò la Cecoslovacchia nel 1970. Le foto sono accompagnate da un testo del sociologo Will Guy.